2011年开年新初，本刊“名家书画收藏”栏目聚焦近现代书画名家、名作。光焰千秋的近现代大师，按生年排序他们是：吴昌硕、齐白石、黄宾虹、吴湖帆、徐悲鸿、溥儒、潘天寿、张大千、傅抱石、李可染、陆俨少、陈少梅12人。他们的画像由大收藏家高魏华盛情专请内蒙古画家孟喜元所绘。孟喜元怀着虔诚敬畏之心，查阅多方资料，重温大师生平、焚香沐浴、顶礼膜拜，数易其稿，九朽一罢，最终成就此壮举，原作悉数为高魏华珍藏。

　　高魏华先生据私不私，开诚布公，登《收藏界》一席之地，将大师群像昭告天下，并配以33年前重金购自“荣宝斋”的众大师力作，与诸君共享。

　　《收藏界》以此为契机，组成写作班底，邀请12位评论家、作家、记者等各界人士，每人一篇，以不同角度、多样风格，阐释大师，解读作品，并以各自的认识，讲述个人对肖像的感受，每期介绍一位大师，十二个月发完。作为社内编辑，近水楼台，我便窃得写第一位大师的机缘。身处近现代之交的吴昌硕，领衔开篇，当之无愧。我却诚惶诚恐，忐忑不安，然权作抛砖引玉，丰盛大餐，金玉满堂，全在左右，请君拭目以待。

　　孟喜元自上世纪60年代开始创作，在写实传统的基础上，融贯中西，形成了自己的艺术风貌。他曾绘制40多部连环画，以及大量国画、年画、宣传画等，积累了丰富的创作经验，还多次获得国家级大奖，并有大量作品被国家级机构及楼堂馆所收藏。他还赴泰国、新加坡、韩国以及台湾、澳门等地举办画展，为中外文化交流做出了贡献。

　　近年来，不少画家或单幅或系列都先后画过类似肖像题材，孟喜元这批创作我认为干净利落，形象生动，人物鲜明，是同类创作当中的佼佼者。如这幅吴昌硕像，双手交叉胸前，谦和自然，平静淡定，画家神情安详中又透出一丝孤傲，是不可多见的神妙之品。

　　吴昌硕是清末民初著名的画家之一。

　　近代画坛巨匠齐白石曾有诗云：“青藤雪个远凡胎，老缶衰年别有才。我欲九原为走狗，三家门下转轮来。”诗中视若神明地将吴昌硕与数百年前的徐渭、朱耷相提并论，并甘愿变身走狗转换轮回，牵纸研墨去侍奉这三位先贤。

　　其实，齐白石最为尊敬并受益最大的还要首推吴昌硕。吴昌硕的书法，真行隶草篆样样精通，并都达到了炉火纯青的境界，尤精石鼓文，有“曾抱十石鼓”之说，结体在胸，自成一家。他治印成就最高，远追秦汉，近取邓石如、吴让之、赵之谦，开宗立派，前所未有，日本印界赞誉吴昌硕为唐之后第一人，并专门制造吴昌硕半身铜像赠与西泠印社，给吴昌硕很高的评价。

　　吴昌硕的好友任伯年见其书印造诣精美绝伦，便鼓励其学画，50岁后，吴昌硕方以书入画，初随任伯年，后临赵之谦，继而青藤、八大。殊不料，吴昌硕赖以书法根基的深厚，用笔遒劲，恣肆纵横，一出手便非同凡响。他运用脱胎于篆书的笔法，雄浑博大地画出了梅花，又以狂草的奔放，画出了紫藤、葡萄。他还将篆书的运刀、章法融入绘画。他涉猎的题材越来越广泛，并形成了极富金石味的独特画风。

　　嗣后，吴昌硕的绘画成就已跨越任伯年之上，诗、书、画、印的全面发展并紧密结合，使他成为晚清最有成就的艺术大师和印坛领袖，影响遍及海内外，盛名一时。

　　吴昌硕《寿相仙凤图》是收藏家高魏华先生1978年从北京“荣宝斋”购得并珍藏至今的画作，从画上看，牡丹、木兰、水仙、菊花、巨石等等，都是“老缶”常画的强项。富贵牡丹，冰清玉兰，长寿水仙，正应和了“寿相仙风”的画题，凝聚了题诗“富且贵兮寿而康，福地突兀开玉堂”的美妙寓意，此画是诗书画印的最佳结合。

　　曾有评论推崇吴昌硕先生“将花鸟画推到了登峰造极的地步”。如果拥有吴昌硕一件带题诗之画作，那么就等于拥有了吴昌硕先生的“四宝”。作为中国画传统与创新的集大成者，吴昌硕在中国美术史上的地位举足轻重，他不但是中国近现代画坛上自然衔接的重要桥梁，更是近现代画坛最有成就、最具影响的开拓者。他的名字将在中国画坛伫立千秋!

　　赏读名作·收藏大师

　　云南 魏 华

　　如果说中国近现代画坛之间有一座自然的联系之桥的话，那么吴昌硕先生便是这座重要的桥梁。他屹立在晚清民国两个时代交接点上，承上启下，融会贯通，贡献非凡，成为旷世师表。

　　作为杰出的“后海派”之大家。吴昌硕把诗、书、画、印融为一体，自成一家，尤其是阔笔写意花卉的绘画风格影响最大，成就极高。在民国时期，他与钱瘦铁、王冠山(冰铁)并称“江南三铁”。由于吴昌硕艺术成就巨大，成为公认的画坛、印坛领袖。

　　吴昌硕的可贵在于：他并不是一个科班出身的画家，他原先是一位杰出的书法家，一位治印高手，半路出道，五十岁后才入画坛，由于他在书法、篆刻上的造诣，也造就了他绘画上的成就。他的画脱胎于篆书的用笔，浑厚苍劲。画梅花有篆书功力，画葡萄、紫藤有狂草的奔放笔致。他还将篆刻的运刀、章法和体势融入绘画，形成富有金石味的独特画风。吴昌硕出手不凡，一扫当时萎靡软弱之画风，因此大受欢迎，盛名远播海内外。世人皆为能得到他的逸品如高中状元般欣喜异常，珍之藏之颂之。时至今日，吴昌硕先生的真迹更是万金难求，让人无限神往。

　　让我们怀着虔诚的心情，展卷欣赏吴昌硕先生的此幅《寿相仙风图》，徐徐展卷之际，雄奇之风扑面而至，此画笔墨高古，线条凝炼，笔力力透纸背，又纵横恣肆，气势雄强，阔笔横扫又不乏精美绝伦，堪称吴氏的精品代表作。只见画面中间为一块凛然而居的巨石，牡丹、玉兰、水仙依石逢勃绽放，牡丹饱满鲜丽，红而浓烈如火，玉兰洁白硕大，典雅高贵，水仙蓝而滋润，暗吐幽香，分外妖娆，墨石坚而无言，遒劲朴拙，极富视觉张力。无论花与石，都是金钩铁线，充满金石之气。艺术大家，其作品无不受世间万事万物之启迪，别出心裁绘心灵之感悟，此画亦如此，在民间，牡丹喻富贵、玉兰显高洁，水仙寓长寿。画面内容，既彰显了画名《寿相仙风》，又突出了题诗：“富且贵兮寿而康，福地突兀开玉堂”的诗情画意。此画品相完好，书有大气象，画有大境界，印有大雄健，诗有大福寿。且诗、书、画、印有机结合，布局、着色、意趣、笔韵相益得彰，黄金搭配，不愧为空谷绝响、弥论古今的传世佳作。

　　除去考虑到昌硕先生在传统与创新之间的成功突破外，诗、书、画、印四美俱臻也是昌硕先生能赢得盛誉的重要原因。你如果有幸收藏了一幅有题诗的吴画，就等于就拥有了昌硕先生的“四宝”。此画诗美画精印健书法老辣，堪称具有“四宝”的精典神品，观其原作，犹如品味一曲禅音，是为藏者、观者之大幸也。

　　以“开门见山、胸有丘壑”绘画风格著称的著名中国山水画家、美术教育家邵声朗，近日在湖北美术学院举办画展，将其60年来创作的80件精品画作系数展出。

　　邵声朗，湖北仙桃人，是著名的中国画画家和美术教育家。他于1956年考入中央美术学院中国画系，师承叶浅予、蒋兆和、李可染、李苦禅等国画大师，毕业后到湖北艺术学院(现湖北美术学院)任教。他所作《鄂西秋艳》陈列于人民大会堂湖北厅，《银河落九天》2003年成为湖北省人民政府新楼大厅主图。

　　本次展览共展出邵声朗的80幅精品国画，贯穿了他从艺60年来的艺术生涯。《雷电颂》笔触奔腾，彰显楚人精神。《峡江风帆图》大气磅礴，道尽大江之壮美。《鄂西之月芳菲天》色彩跃动，鄂西秀美跃然纸上。

　　湖北美术学院艺术馆馆长、教授曹丹认为，此次展出的邵老80幅国画精品，饱含着创新的意识与动机，在继承中国传统山水画中不断创新、发展，融合了西方绘画的光影、色彩对比等元素，开拓了山水画全新的画面表达形式。中国山水画讲究“墨分五色”等传统技法，但邵声朗在创作中打破传统的“疆界”，直接用石绿、朱砂红等颜色来代替墨创作画作中的“山水”，运用单线来勾勒“山水”，以色彩来表达其他附着的物体。通过色彩的深浅、冷暖、明暗，来塑造画作立体感更是随处可见。曹丹认为，这些点点滴滴的艺术创作方式已经汇集为邵老独到的艺术风格。虽然仅仅是采用的材料与方法的改变，在画面上看起来虽是一小步，却是文化艺术史上的一大步。

　　“邵老的画作是对中国山水画很大的突破，开拓了山水画新的艺术表现形式以及艺术技巧”。师从邵声朗的湖北美术学院教授、水墨画家刘一原认为，邵老山水画体现出别具一格的“风骨”精神。他用赤裸裸的山来替代复杂、密集的结构，体现坚强、坚韧不拔的精神。纵观画作，“大山扑面而来、腾空而出”的气势更体现出山川之骨、笔墨之骨。自如在中国山水画中运用颜色，直接用颜色描绘山川骨架，更能看出邵老功底深厚。

　　年过八旬的邵声朗一直坚持在一线走访、采风。刘一原说，邵老“深入生活、注重写生”的创作态度更是难能可贵。与大自然的交流让邵声朗的画作饱含丰富的情感与思想，多篇展现鄂西美好山川的画作精品，更体现出邵声朗对湖北这一方养育他的水土热忱的歌颂。

　　据悉，“邵声朗艺术生涯60年精品展”将持续至1月20日，广大市民可前往免费观看。

　　艺术展览大多有个开宗明义、很深刻的名称作为主题词，而张恩利的没有。民生美术馆今年1月起举办的这个个展，名字就叫“张恩利”。张恩利肯定不是一个理想的采访对象，他话少，谨慎，戴着盔甲。他不会说什么惊人之语，不会故意说些让媒体兴奋的话，偶尔露个苗头，就迅速消失得无影无踪。就像他的画，平淡无奇，力量都藏在后面。

　　这是一批有关天空和树木的油画，挂在民生美术馆的展厅里。如张恩利说的那样，随性而为很容易，但克制、冷静，偶尔放肆一下，才不会散掉。所以每一片树叶，都是一笔画出来。而留白，比树重要。展览中最高级的留白，是在展厅里搭出了一间张恩利的工作室。墙壁上烟熏和灰尘的痕迹，圈出了几处方方正正的空白。那是曾经挂着画的地方，现在画已经在展厅里了。张恩利创作的过程和与展览机制的关系就这样被巧妙地呈现了出来。

　　狂乱的力量转化成了平静

　　张恩利说自己现在的作品处于第二阶段，早先第一阶段的作品，有狂乱的直接的力量，现在转化成了平静的力量。2000年以后，张恩利开始画各种静物，日常之物，至今十年了。评论认为，他反复描绘现实中简单的事物，有意地削弱绘画内容的多样性和形式上的限定，显示出绘画语言本身的各种可能性。他的这批新作品，树木赋予天空形状，就像窗户框出外面的景色，就像禁锢映衬出自由。树木和天空是本身就存在的，张恩利用相机拍下来，拿回工作室去画。画的行为本身就是态度，用评论文章中的话说，“朴素安排和描绘”才能呈现某种“存在感”。

　　第一次画这个系列的作品是2009年，当时画了一张之后觉得不够，所以要强化天空的印象，促使大家不断关注它。张恩利不认为“重复就是力量”，但承认寻找主题的确很难，要想每一张都有强度也很难。所以，还是必须要重复画，画成系列。比如他早期的后脑勺系列，只画一张的话，别人可能以为是自画像或者是个画家的朋友而已。但是画一组，就是一个社会群体。张恩利还是比较警惕，他认为，不可以把系列作品无限延伸，所以拒绝作品成为LOGO。

　　张恩利崇拜绘画，但对绘画的认识也与时俱进。他说绘画的历史很长，力量很强大。这是一段让艺术家既迷恋又恐惧的历史。到了今天，大家吸收的信息都很综合，来自电影、电视、图片、网络，这给绘画很大的冲击。今天的人观看方式不同了，艺术家的创作也不同了，视觉来源更多。对此，许江曾经有一个精彩的论述，说这是感性方式的变迁。张恩利的看法表述不同，意思差不多。

　　就这样的一个艺术家，很多艺术活动都在场，但很少看他高谈阔论，一直都以很冷静的样子旁观着。对张恩利有了这样的印象，再去看他的作品，能判断出，这是一个至少表里如一的人，人格不分裂。

　　和世界保持恰当的距离

　　张恩利低调，但“不争就是争”。两年前他悄无声息地就和世界顶级的英国Hauser & Wirth画廊签了约。他是唯一签约的中国艺术家。英国人在艺术上有他的傲慢，对中国艺术动手比其他地方都要晚，做得也更谨慎。这样的画廊，让张恩利看到了什么叫做优秀艺术家，“世界突然变大了”。而画廊签约的几十个艺术家里面，他说自己是垫底的。他觉得现在很多中国艺术家，都比西方那些大师级的艺术家有钱，但仅此而已。

　　人们认为严谨的艺术家产量都很低。这偶尔也不适用。张恩利一年能画四五十张作品，巨大尺幅的一年也能有个十来张。除了一年中不在工作室的那两三个月，平均每周一张。速度算很快的了。因为他说自己“需要更多展示的机会”，有了展览，创作的动力就会很强。但他很快又说，艺术家一年一两个个展是极限，不然哪来那么多新作品?过度的不适合的展示机会，会把人消费掉，才华会耗散。总在自我审视，随时进行自我审查和纠错，张恩利时时会显露出自己的辩证法。

　　1997年和香格纳画廊签约时，每年只能卖出一两张画的张恩利，生活拮据。他给别人做设计，多打两份工养家糊口。但创作的时候不能想钱，不然作品中的献媚一看便知。中国艺术碰上了大牛市，很多艺术家熬得了穷，却熬不过富。不少人到了一把年纪，机会眼看不多了，就抓紧捞现钞。这是一种变成“过去时”的危机感，毕竟很少有艺术家能永恒一辈子的。但签约顶级画廊的张恩利认为自己还有很大的余地，“我才刚起步呢”，张恩利这句话，就像周润发广告里的台词。

　　“人不可无狂傲之心，但要常存敬畏。”这是徐悲鸿说的。人有了巨大权力的时候，要懂得宽容。虽然徐悲鸿这么说了，却没这么干。张恩利说作为一个普通人，自己能做的只是尽量不去伤害别人。不管是面对艺术圈的各种利益，还是面对这个魔幻的时代，他都选择独善其身。他似乎相信，只有画面上那些树叶和天空才能构成某种永恒感，其他都存疑。比如被称为伟大时代的这三十年，我们置身其中，但过三十年再看，也许有另外的解读和判断。“人对未来是一种抽象虚拟的把握，所以人最大的力量就是穿透现实。”张恩利说。

　　从这个意义上来说，张恩利是一个顺势而为的现实主义者，不是理想主义者。他似乎有种本能，能够将自己迅速定好位，从而和别人、和不同事件、和世界保持恰当的距离。因此，张恩利的格言是“宁做羊群中的羊，也不做羊群中的骆驼”。那么，画树叶和天空，看似和社会图景毫无关联，对他而言却也是一种入世。

 

　　朱德曾说，“海外有个张大千，国内有个晏济元!”，如今张大千早已驾鹤先去，而他的同乡晏济元至今仍心系家乡画坛，并即将迎来他在今年的第一场个展。据悉，由四川省艺术创作交流促进会等单位发起展出的“巴蜀画派仙风道骨世界之最——110岁国画大家晏济元书画作品展”将于1月15日在四川长江画院开展。正在成都家中疗养的晏老表示，他听说打造“巴蜀画派”的事情相当激动，“对四川美术来说，这件事功在千秋，利在当代!”
晏济元(济原)，名平，号素贞老人。据了解，晏老从艺经历颇为传奇。他七岁从父习学诗文书画，而后潜心研习石涛、八大、唐、宋等各大家作品，颇得精髓，学而渐成。晏老1935年东渡日本，回国后与张大千在北平中央公园“水榭”联合举办画展，后又多次与张大千在成都、重庆等地联合办展，他曾与于右任、谢无量、何香凝、郭沫若、张大千、张善子、谢玉岑等交情深厚，并在当时画坛上享有较高的声誉。
据了解，这次画展将展出晏济元的40幅国画精品，其创作年代从上世纪80年代横跨到去年，届时亮相的《春满长江》、《山樱桃小鸟》、《玉兰小鸟》、《茶花》等作品都是晏老的代表作。这些画作秉承了中国文人书画传统，洒脱超然的画风，独成一派。晏老的画早期简练、古朴，中期工整、严谨，晚期苍劲、奔放，尤以晚期作品用笔变化无穷，出神入化，达到了随心所欲，高深莫测之境界。在晚年的创作中，工笔与写意相结合，更见骨气与潇洒，使画面结构不仅有其形，而且重其意，笔意墨色浑然一体，别开生面，大大丰富了山水画的诗情画意，对传统做出了大胆创新。

油画《王屋山短信》

　　听着筑路机的轰鸣，闻着风枪上油泥上的芳香……第15届大路画展日前在中国美术馆展出。我省实力派画家李自刚的油画新作《王屋山短信》荣获金奖，这已是他第二次获得大路画展金奖，为我省争得了荣誉。

　　此次画展由中国美术家协会和中国铁道建筑总公司联合主办，以中国铁路与大路生活为主题，展出油画、国画、版画200余幅。李自刚长期关注现实生活，从平凡的生活中寻找出感人的审美特征，在创作油画《王屋山短信》时，他多次深入建筑工地，用艺术家敏锐的观察力，寻找出构成城市建设的两大要素“钢铁和泥土”。李自刚运用厚重的笔触和沉稳朴实的色彩，赋予钢铁和泥土质感，形象地表现了当代愚公生活的甘苦和内心的渴望与追求，使画作产生感人的力度和丰富的联想空间。

　　李自刚1952年出生于河南开封。1982年毕业于河南大学艺术学院美术系，2007年进修于中央美术学院油画系第15届研究生课程班。现为河南日报报业集团美编室主任编辑、中国美术家协会会员、北京油画协会副秘书长、河南省新闻美术工作委员会常务副主席。

　　和赵振川先生接触过的人，都有这样的感觉：他为人朴实厚道，谦逊随和，但又不失原则;他长期担任陕西美术家协会负责人的职务，不热衷于搞表面上轰轰烈烈的大活动，而乐于忠实地为艺术家和社会大众办实实在在的事;作为艺术家，他像农夫一样，勤勤恳恳地耕耘，但他钻研“耕作”原理，讲究收获。在他身上，我们看到刚柔相济的品质;他的艺术创作，具有兼收并蓄、广采博取又敢于自立面貌的特色。

　　赵振川自幼受到很好的文化教育和艺术熏陶，其父赵望云是长安画派的创始人之一，他除随父学习中国画外，并受业于石鲁、何海霞等大家，深得他们的言传身教。加之从小和父亲的学生黄胄、方济众、徐庶之等人一起生活，自然也受到师兄们潜移默化的影响。在他的艺术成长过程中，这些得天独厚的条件，确实给他未来艺术道路奠定了坚实基础。不过一般说来，名人的子女虽条件优越，往往因有父辈大树遮蔽，很难脱颖而出。他们要想有所作为，不仅要有志向、要勤奋、要有机遇，还要看自身的艺术资质。古今中外，也不乏名人子弟做出一番事业、在历史上留下业绩的例子，如王羲之、献之父子，米芾、米友仁父子，大仲马小仲马，梁启超、梁思成父子……赵振川凭借自己的艰苦努力和自己的天分，积蓄了在艺术上拼搏的韧性和胆识，他和他父亲对“长安画派”相继做出的突出贡献，已成为当代中国艺术史上的一段佳话。

　　赵振川之所以能在绘画上达到如此成就，主要是他坚持不懈长期奋斗的结果。青年时期，他在陕西、甘肃两省交界处陇东山区插队8年的生活经历，为他了解社会、了解大众、了解大自然提供了难得的机会。进入画界之后，他始终按长安画派“一手伸向传统，一手伸向生活”的主张严格要求自己，足迹遍及关陇、秦巴、陕北等地。不同于一些人一次性的“采风”方式，赵振川经常到秦岭、渭北、陇山等地，从生活中汲取创作灵感。其成果反映在1994年在中国美术馆举办的个人画展上，其脚踏实地的作风和格调不凡的画作，引起社会关注，也给美术界输入一股清新的空气。他并不以此为满足，而更加自信与从容地埋头苦干，紧紧抓住传统与自然这两个环节不放。他钻研画史、画论，领悟艺术规律，他撰写了不少关于中国画创作理论的文章，探讨笔墨精神与技巧以及中国画品评标准等问题。他坚守长安画派的理念，但在艺术语言上他却不拘于承继一家一派，善于广泛吸收。例如，他在与南方大画家刘海粟、陆俨少等人的接触中，就得到不少包括笔墨语言在内的艺术启发。

　　在赵振川深入钻研中国画创作的过程中，他遇到的两个相互关联的突出问题：如何处理笔墨与丘壑、境界的关系，如何解决写生与创作的矛盾。对前者，他反对唯笔墨论，他既重视笔墨又重视丘壑，更进一步追求境界。他从不追随前人的笔墨符号而注重表现笔墨精神。我们看赵振川的画，发现他的每一幅画都得益于客观自然的启发，程式化的笔墨在他手下因表现对象和主观感受的不同，呈现出不同的艺术面貌和风采，达到一定的境界。如果说，他的早期作品还留有父亲赵望云的痕迹，那么通过自己不懈的努力，绘画语言逐渐变得凝重浑厚、宏阔大气，形成鲜明的个人风格。

　　山水画家必须尊重自然，必须注意对客观山水的观察与体验，而观察与体验的有效途径便是写生。不过，中国画写生是个广泛的概念，可以是对景写生，可以是印象写生，可以是默记、尔后凭回忆的写生……一幅好的写生可以是一幅好的创作，也可以是创作的准备。赵振川有自己的写生观与创作观，他说过一句发人深思的话：“写生不仅需要尊重客观，还要会编，我的画就是在生活的基础上编出来的。”编，就是艺术家不依赖于自然山水的摹仿，而是以它为范本发挥想象力的重新创造。对景的直接写生对一般艺术家来说，不会是大问题，但要以写生为基础去编成一幅好的绘画，却不是一件容易的事，这要有生活阅历、艺术修养，要深入掌握中国画的写意特性。赵振川之所以敢于编和善于编，一有生活，二有修养。他心中装有广阔的大自然山水的资源和古今绘画的经典，他又善于用自己的智性与悟性去消化和融会它们。有前者，他的画始终有一股动人的勃勃生机;有后者，他的画温文尔雅而耐人寻味。

　　赵振川的画何以有如此不凡的品格?不妨看一看他对自己作品的评说：“我的画有猛气，但底子是醇厚、温和，是中国的中庸。中国文化的精髓就是中和之美，没有这点难成正果和大气象，因此要在这上下功夫……”赵振川把中和之美立为艺术创作的最高境界，并作为自己奋斗和追求的目标。而这一点，有助于我们走进赵振川的绘画世界。

　　“中和”这一中国古老的哲学范畴，源自孔子的中庸之道。中和，是讲事物的对立统一，不取一，而取二，使它们辩证、和谐地相处。从中和的观点看世间万物的生长、发展与变化，皆离不开这个规律，绘画也不例外。绘画创作涉及的各种问题，莫不需要用中和的理论去解决：大至主体与客体、传统与生活、写生与创作、语言的稳定性与探索性、法则与变革……小至绘画实践中遇到的课题：虚与实、轻与重、繁与简、疏与密、方与圆、浓与淡、墨与色，等等。绘画是门手艺，这门手艺中无处不充满着辩证的哲学原理，从这个意义上说，绘画是充满哲学意味的诗性艺术，中国画尤其是如此。中和含有折中的意思，但不是折衷主义，因气质、素养和随机应变能力的不同，艺术家在处理与创作有关的各种矛盾中，必然自觉不自觉地使一方占有优势，显示出其主导的一面并兼有另外的品格，而产生风格面貌的千变万化。由于赵振川深谙艺术的中和之道，他在处理这些关系时能得心应手、驾驭自如。赵振川作品的“猛”，来自他胸中的大气，来自他笔墨语言的自由随意，看似漫不经心的点擦皴染。赵振川作品的“温情”，来自他对西北山水中诗意的发掘，来自他性格的厚道与纯朴，来自他笔墨语言的抒情与写意。在技巧上，他善于处理黑白、疏密关系，善于在画面上有机地穿插线与块面……他的笔墨泼辣圆融，凌而不乱，破笔破锋，气势恢弘。无论从审美情趣、精神蕴藉，还是从笔墨方法、图式结构来看，都达到一种和谐的状态。西北的山水成为赵振川寄托审美理想、抒发性情的载体。在他的画中，总体的格调、意趣，都是由心中的感动而生发。他重视精神境界的总体把握，同时从不同的着眼点和用多种手段阐释个人的情感，弘扬传统的精神，表现时代的律动。他的画有气象、有品位，耐看和经得起推敲，不仅在当今陕西国画界独树一帜，在全国山水画领域也因面貌新颖和有独创性，而受到人们的赞扬。

　　相信以中和美为艺术理想的赵振川，还会在今后的艺术道路上迈开更雄健的步伐!

　　14日，由中国宋庄士东画院与雅拓艺术网联合举办的“中国宋庄首届百名书画家迎春展”在中国宋庄艺术一条街的士东画院开幕。此次展览云集了黄之、张征砚、杨本堂等一大批著名艺术家的作品，山水、人物、花鸟、书法等均有涉及。

　　据画院季馆长介绍，“艺术礼品”已经成为人们新的消费热点，随着我国传统佳节春节的日益临近，以艺术品馈赠亲人、朋友成为一种时尚，正是基于这种考虑，本次迎春展选择了一批实力派画家的作品，并本着精品不高价，让艺术走近百姓的原则。

　　狂野辟蹊径，泼墨遍九州。1月14日，“中国书法之乡三原于右任杯全国书画大赛”获奖作品展在三原于右任纪念馆举行，展出的作品有日本、美国、加拿大、菲律宾、荷兰等国家和地区的77幅获奖作品、170多幅名家题词、特邀作品以及部分于右任先生书法真迹，受到了社会各界知名人士关注。

　　上午10点多，于右任纪念馆内参观书法作品的人络绎不绝，很多爱好书法的人拿出笔和纸，现场临摹起来。

　　中国当代文学研究会顾问、文化部《中国文化报》原副总编、著名文学评论家阎纲，中国现代文学馆原副馆长、中国散文学会常务副会长、中国报告文学学会常务副会长、著名作家周明，中国书协理事、组联部部长、中国书法名城书法之乡联谊会秘书长张陆一，中国书协原副主席、现中国书协顾问、陕西省于右任书法学会名誉会长钟明善等知名人士也纷纷赶到会场祝贺。

　　记者看到，于右任纪念馆一展厅为名家题词、特邀作品展;二展厅为于右任墨宝展;三展厅为获奖作品展。获得本次大赛银奖的作者薛雁高兴地说：“我住在三原，从小就特别崇拜于老的书法作品，如今学习于体已有30多年时间，这次获奖书画展，为广大书画爱好者提供了一个学习、交流的平台，也进一步继承和发扬了中国的传统文化，弘扬了书法艺术，提升了三原的文化品牌。” 当天，年仅9岁的男孩杨一默，获得本次大赛少儿组书法金奖。杨一默的父亲对记者说，默默从6岁开始学习书法，如今也是学校的“小名人”了，写字就像做人，没有规矩不能成方圆，带孩子来参加比赛，也是开拓眼界学习、提高的机会。

　　据于右任纪念馆馆长巨志忠介绍，“中国书法之乡三原于右任杯全国书画大赛”，历时半年时间，共收到来自海内外参赛作品3500多件，分别来自日本、美国、加拿大、菲律宾等国家和地区。其中参赛年龄最小的作者仅5岁，年龄最大的已90岁高龄。

　　据悉，大赛评出特等奖4名，金奖10名，银奖23名，铜奖40名，优秀奖345名。从众多优秀作品中评选出的精品在三原于右任纪念馆展出，饱含了全国乃至海外书画界朋友们的辛勤劳动和对书法艺术不倦的追求，充分体现了我国传统文化的魅力。

　　徐悲鸿（1895—1953），江苏宜兴人，原名寿康。中国现代美术事业的奠基者之一，杰出的画家和美术教育家。1918年接受蔡元培聘请，任北京大学画法研究会导师。1919年留学法国，后又转往柏林、比利时研习素描和油画，观摩、研究西方美术。1927年回国，先后任上海南国艺术学院美术系主任、中央大学艺术系教授、北平大学艺术学院院长、北平艺术专科学校校长。新中国成立后，任首届中华全国美术工作者协会主席、中央美术学院院长等职。1949年，出席第一届保卫世界和平大会、中华全国文学艺术工作者代表大会，当选为全国文联全委、常委，第一届全国政协委员和北京市政协委员。1953年担任第二次全国文代会执行主席；同年9月23日，脑溢血症复发，26日晨逝世于北京。徐悲鸿坚持现实主义艺术道路，创作了《田横五百士》、《九方皋》、《巴人汲水》、《愚公移山》等一系列对现代中国画、油画的发展有着巨大影响的优秀作品，在中国美术史上起到了承前启后的巨大作用，是20世纪我国的杰出画家。

　　徐悲鸿精神的现代性启蒙

　　徐悲鸿1895年出生于贫寒的乡村画师家庭，幼年即随父学习传统中国画以及传统文化，后赴巴黎入法国国立高等美术学校学习，并赴英、德、比、意及瑞士观摩学习。虽然他在五四前夕（1919年3月）赴欧留学，历时8年，但无论从哪个角度讲，徐悲鸿都是五四运动的重要一员。五四运动就其内在思想史进程来说，是康、梁、谭、严思想的继续，在艺术上康有为力倡碑学，坚持中西合璧与写实雄放风格，这对徐悲鸿影响深远。1918年3月，徐悲鸿被新文化运动的主将蔡元培聘为北京大学画法研究会导师，他著名的《中国画改良之方法》就发表于此地。在这所新文化运动的摇篮里，徐悲鸿和众多有志之士一起感受着风起云涌的时代精神。摧毁旧文化、改造国民性、学习西方文化、追求民主科学，是新文化运动的要旨，也是中国现代化启蒙的号角。徐悲鸿为之奋斗一生的写实主义画风并不是空穴来风，晚清及至五四精神的现代性启蒙是他写实主义的思想史基础。

　　他认为，批判旧传统不仅仅只是中国画技法的改造，而是国民精神气质的革命。徐悲鸿与他同时代的人一道，猛烈批判了科举制度下的文人画末流之柔糜乡愿之气，认为董王之类毫无真气与血性的摹古之风是国民精神贫弱在美术上的极大体现。因此，他大力提倡“师造化”的写实主义就是有的放矢的革命。

　　同时，他以“拿来主义”的以改造中国画乃至国民精神之所需的力量和气魄去学习西方文化。但他在“拿来”的时候，并没有放空和抛弃本国的艺术而全盘西化。“借助他山，必须自有根基，否则必成为两片破瓦，合之适资人笑柄而已。”徐悲鸿终其一生坚持的是这样的中国画改革方针：“古法者佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，未足者增之，西方画之可采入者融之。”这一极富开放性的主张不仅在当时有很大影响，而且在今天依然具有指导意义而焕发着强大生命力。

　　在这样的艺术精神指导下，徐悲鸿创作了一系列气贯长虹的篇章：取材于《列子·汤问》、象征着中国人勇敢无畏、坚忍不拔而开天辟地的《愚公移山》，取材于《史记》而歌颂“威武不能屈，富贵不能淫”的坚贞民族气节的《田横五百士》，取材于《书经》，渴望民主光明的《■我后》，取材于《列子》的智慧颖睿的《九方皋》……这些作品表达了他对民族危亡的忧愤之情以及向往新世界的期盼之心，表现了他高度的爱国家爱民族的浩然正气。

 

　　除了这些史诗般的人物作品外，山水、花卉、动物，徐悲鸿也无不涉猎，那“与天地参”的伟岸《古柏》，那逸气逼人而奔腾不羁的骏马，已成为徐悲鸿的人格象征。

　　我们可以重点来看徐悲鸿的马。他的马不同于古代中国画科中任何马之情态，也不同于他所要学习的西方绘画传统，而是融合中西，集写实、写意于一体。一方面是高度形似的，即注重解剖透视的精准与笔墨灵性的融合，这以他在巴黎时常常去马场画速写、精研马的解剖为基础，积稿盈千；另一方面又是高度写意、笔墨酣畅的，于是他的马就呈现出结构精紧、笔墨松灵的最好状态。“取像不惑”，大胆落笔，肯定结构，但不是全部勾实轮廓，而只在马背、马肚、马腿、马脖处粗笔重点勾勒，虚实相生，意到笔随，并以水墨晕染出大的块面，在其他部分尤其是马鬃、马尾却运用没骨画法，特别运用水墨飞白倍增飘逸飞动之灵性，逸气逼人；而少用渴笔、焦墨而多用湿墨，甚至大笔泼墨，润泽有力、轻重有度、动静相宜、浓淡相适，气韵生动。

　　徐悲鸿想以艺术来作为改造国民性的重要手段，于是他积极地倡导写实主义，也就当然地被人们认为是现实主义的代表。这是不错的，但他的现实主义不同于杜甫的“三吏”、“三别”，也不同于库尔贝的“石工”、珂勒惠支的“母亲”、杜米埃的“三等车厢”……他不取惨淡、病痛的人生，不铺排淋漓、受难的鲜血，但这绝不意味着他不关注现实，不痛彻血肉人生，他只是在大多的时候间接写之而已。以动物花鸟寄寓、比兴，隐喻和象征是他重要的手法之一，这是属于中国文人画的优秀传统。因此，与其说徐悲鸿秉持现实主义，不如说他是浪漫主义的，这是他写实主义的特色之一。他以诗人一般的情怀，以少小时候就拥有的“江南贫侠”、“神州少年”的英武豪气站在现实世界的黑夜此岸，向往着未来。于是他的马以他反思寻得的中西文化中的磅礴之力铸造画面，雄强铿锵、奔放激越、优雅挺秀。无论立马、饮马、奔马、群马……都全无缰绳、马鞍，一派天成，自由奔放。这是向往新世界的曙光，英姿飒爽、如风似电，铮铮铁骨、奔放昂扬，坚韧骁勇、一往无前，真可谓“一洗万古凡马空”！徐悲鸿的马不是现实世界的马，而是“天神”与“豪侠”，是“超绝尘寰的英灵般的向往”，是神驹，代表着他的理想情怀、人格气质、诗意追求与审美愿望，不沉郁顿挫，也不剑拔弩张，但见自由洒脱、雄奇美丽而成了他的人格化写照。

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图：张森展出的楷书小品《求实》

　　国家一级美术师张森的书法作品展现於城市大学艺廊举行。今次展出的二十七幅作品多為张森近作，包括隶书、楷书、草书及行书等。张森说，不同书体之间技巧相通，“书体众多，究其方法则大同小异”。

　　今次名為“会古融今”的展览，作品多為张森在近一、两个月之内写成。张森说作品中引用的前人诗词代表了自己的追求。“比如说我写 求实 这两个字，因為我主张做人要实在。”

　　受父亲薰陶，张森自幼练习书法，上世纪七十年代进入上海中国画院从事专业创作至今。身為中国书法家协会理事的他却说自己不常写字，还将写字比作“炒肉片”，“炒两分钟刚刚好，十分钟就炒焦了”。张森说，练习书法关键在於思考，在于“心定”。写字是艺术，要将字写好并写出美感，并不容易。

　　张森说，中国书法字体虽有篆、隶、楷、草、行书之别，在作品评价上，却有“审美共性”可依循。他曾在《书法研究》上撰文，提出自己对书法作品品评的三点标准：点画要完美，字形要变化，通篇要贯气。张森说，要书写出可粗可细、可急可弛的笔画，需要在用笔时充分发挥毛笔“尖”、“齐”、“圆”和“健”的特性。点画和字体变化要符合文字演变约定俗成的规律，如在篆书中杂入正书的点画，则与文字演变的顺序不符。张森还说，书法作品最重要的是通篇贯气，令到书写的点画鲜活而富有生命力。“点画间充满著内在联繫，所谓 笔断意连，书法学习切忌不求笔势地描摹外形。”

　　张森说，书法与音乐相通，二者都是“时间的艺术”，需要从头至尾一以贯之地完成。他认為写字贵在心定，在既放鬆又认真的状态下，才能写出好作品。

　　张森说，练习书法有一个累积的过程，成绩不可能三两天就显现出来。他还说，书法和其他艺术一样，既要有传承又要提倡创新。创新即打破既有的平衡，在新的基础上实现新的平衡与协调。

　　张森“会古融今”书法展现於香港城市大学康乐楼六楼城大艺廊展出，展期至下月十三日。市民可电三四四二二四七七查询展览详情。

　　日前，著名书法家，中国书法家协会原副主席，现任中国书协顾问的刘艺先生见到首次合璧的《富春山居图》时激动不已，即兴提笔在卷首题跋“丹青国宝，山水合璧”，直抒胸怀，字字箴言。这是继去年5月中央文史馆馆长袁行霈及欧阳中石、傅熹年、沈鹏、舒乙等七位国学泰斗在高仿《富春山居图》上分别题跋后，又一位著名书法家为此图题跋。

　　年逾八十高龄的台湾著名书法家刘艺先生，台湾台中人，早年受家庭的熏陶，自幼临池练字，至今已有七十多年的历史。刘艺先生精于草书，兼擅行、楷、隶、篆诸体，书风清健秀逸、洒脱自然。刘艺先生的作品享誉业界，国内外众多标志性建筑内皆珍藏有先生的墨宝。1999年，钓鱼台国宾馆请先生创作草书八尺四条屏，陈列于大厅。其后，中共中央和国务院所在地中南海，邀请刘艺先生创作数幅大型作品布置于各厅室。人民大会堂、中央军委大楼、中组部等单位，也相继收藏先生的作品用于陈列。

　　【新闻链接】

　　2010年3月14日在全国两会中外记者招待会上，温家宝总理感叹道：画是如此，人何以堪!盼望分藏两岸博物馆的《富春山居图》全卷合璧，以此象征中华文化团圆、民族团圆。同年5月，在北京紫禁城太庙举办盛大的“富春合璧”仪式，并邀请中央文史馆馆长袁行霈及欧阳中石、沈鹏、侯德昌、程毅中、傅熹年、舒乙六位馆员，共七位德高望重的业界泰斗在《富春山居图》上同卷题跋。此次盛会已成为两岸文化交流的标志性事件，在历史上书写下了辉煌的篇章。

　　【国宝档案】

　　《富春山居图》被列为中国十大传世名画之一，国家一级文物。富春画卷开创了一江两岸的画风，将富春山两岸的景色勾勒的令人心醉神迷，后人誉为“画中之兰亭”、“中国山水画第一神品”。可惜，明末清初，富春卷遭遇火焚，一段为二，现分藏于浙江省博物馆和台北故宫博物院，成为了中华国宝的历史遗憾。

　　为完整传承中华国宝，北京优派克文化发展有限公司, 在获得台湾故宫博物院授权的基础上，将现藏台湾故宫博物院的《富春山居图·无用师卷》和留在内地的《富春山居图·剩山图》,按原作1:1的比例，由三百年老字号荣宝斋应用古书画高仿工艺完美实现了“山水合璧”。高仿《富春山居图》成为了首都博物馆收藏的首件当代高仿书画珍品，更是记录两岸文化团圆的珍贵文物。

　　据台湾媒体报道，自然科学博物馆馆长昨天交接，台大物理所教授孙维新从卸任馆长张天杰手中接过印信，表示“千斤重担落在身上”;年轻时曾和演艺圈擦身而过的他，是台风极佳的演讲高手，希望上任后让科博馆为大众“解惑”，培养会说故事的人才，深入浅出话科学。

　　孙维新则说，被告知要接张天杰的棒子时，一度觉得“不知所措”，但很快就想到，除了可延续科博馆擅长动物、植物和矿物等领域，他希望再引进自己专长的天文、物理等基础科学，让民众体会天空之美和宇宙之气。

　　他说，上任后最重要的目标，是要让科学教育变得有趣、不再冷冰冰。他想多办活动、吸引民众参加，并培养一批会说故事的人，以深入浅出方式解释科学，让非理工学生也能听得懂、产生兴趣。

　　他说，曾有学生告诉他：“学物理前，人生是黑白的;学物理后，人生变成全黑的”，他认为台湾的科学教育还有改革空间，必须想办法让学生对科学产生兴趣，才能不断累积知识，“强灌入脑袋的知识，考完试就会忘记”。

　　除科学教育，孙维新还想让科博馆提供“解惑”的任务。他认为，社会上的怪力乱神太多，他希望针对许多民众的迷思多办展览，例如外星人，他相信偌大宇宙应有外星人，但目前仍没有足够证据证明外星人来过地球，科博馆就可以科学角度提出公平合理的分析，解释这些未知现象。

　　孙维新是美国加州大学洛杉矶分校(UCLA)天文学博士，曾担任美国太空总署(NASA)研究员，回台后先后在中央大学、台大任教。

　　他从小就有演戏天份，小六就被老师选中参加儿童电视剧演出，大学时还担任国剧社长，曾和刘德凯、归亚蕾等人同台演出白先勇小说“游园惊梦”改编的舞台剧。之后有人找他进演艺圈，因不想当武侠明星而婉拒，但这段经历却让他学会把舞台技巧运用在讲台上，更吸引学生注意，使他深受学生欢迎，引领许多学生成为天文迷。

　　教学之外，孙维新也积极参与天文科学教育推广，常藉写作和广电媒体，以深入浅出、活泼生动的方式传递天文知识，获不少奖项。

　　在华人收藏界中，他以痴迷张大千的画作而闻名，他所收藏的张大千画作数量仅次于台北“故宫博物院”，在他的所有收藏中，张大千的画作占了总投资额的74%。而早在上世纪90年代林百里就三次刷新张大千画作的拍卖纪录，分别以748万、816万、827万港币的价格，拍得张大千的《青城山》、《幽谷图》和《风荷》。如今，林百里在广达的工厂里，特别设置了一个名为“广雅轩”的私人美术馆，占地300平方米，馆内藏有上百幅张大千的画作。同时，为了掌握拍卖场上有关张大千画作的最新消息及画作鉴定，林百里聘请了中国台北“故宫博物院”前院长秦孝仪担任广达文教基金会董事长，“广雅轩”三字也是由秦孝仪所题。

　　爱画成痴的林百里，虽在收藏上花费不菲，却始终认为艺术品和商品是两回事，只有在拍卖场上才有价格的介入，大概这也源自于他对收藏的看法。“我只是这些画暂时的保管者，这些艺术品应该一代一代地传下去。”这似乎和他自己提倡的“乌龟精神”不谋而合。

　　林百里认为：人的一生对财富的意义各有追求，在文化层面上的更为丰富，他认为完全可以通过历代的历史人物在收藏领域的所作所为来反思自己心中的标准和定位。在他看来，书画收藏对于书法、绘画的创作也具有明显的辅助作用，尤其在传统社会，只有通过收藏的实践才能近距离地观摩、比照。近代以后的书画家注重继承，中西融合，讲求创新甚至以“反传统”为旗帜，比如张大千。不过，不管怎么说，最终也必须落实到对传统的切实研究和认识上，而绝不是对传统采取全盘否定的态度。因此，无论看待什么样的书画作品，需要的是稳中求胜的进取之道。

　　有“中国写茶第一人”之称的北京书协秘书长、书法家田伯平先生，将汇聚个人书道及茶道体会的“茶书法展”昨天起亮相吴裕泰“茶文化陈列馆”。

　　展品中有大量作品是书写从魏晋至唐宋明清文人墨客的茶诗。李白的“茗生此中石，玉泉流不歇”荡气回肠，如饮普洱;杜牧的“今日鬓丝禅榻畔，茶烟轻扬落花风”温婉轻灵，似品绿茶;苏轼的茶回文诗“红培浅瓯新火活，龙团小碾斗晴窗”雅致淡然，宛如小酌花茶。田伯平表示，茶道和书道都有一种相同的哲理和内涵，最终都是对人的道德品行的修炼，因此，无论奇茶还是妙墨，都散发着馨香的文化气息，都滋养着人的精神气魄。

　　在展品中，田伯平手书的六尺六条屏7804字的《茶经》堪称精品。而田伯平书写的2011个姿态迥异、形态缤纷的茶字，代表了他对2011年中国茶事兴旺的祝福和期待。据悉，举办以“茶”主题的书法展尚属首次。

　　汉字与汉字文化圈

　　以汉字为传意媒介，以儒家为思想伦理基础，以律令制为法政体制，以大乘佛教为宗教信仰等等作为共同的价值标准——这是日本学者西嶋定生(1919-1988)给出的“汉字文化圈”的构成要素。这一看法大体是符合历史实际的。

　　“汉字文化圈”最明显的特征就是汉字的使用。历史上，日本、朝鲜(韩国)、越南都使用汉字，阅读汉籍经典(文言文)，并以此作为通往上层社会的通行证。而且，这几个国家许多保存至今的历史典籍都是用汉字和文言文书写的。普通民众使用的语言文字，则是借用汉字元素与本国语言相结合而创制的各种文字。

　　日本学者川本皓嗣(1939―)在北京大学演讲时曾提到：“东亚的所谓汉字文化圈或者说儒教文化圈有时会与西方的中世纪以及文艺复兴以来的拉丁语文化圈相提并论。但二者之间有三大不同。第一，把拉丁语作为公用语的罗马帝国早在公元4世纪前后就已经开始衰落，不再是欧洲的中心势力了。与此相反，在东亚一直到19世纪中叶中国一直占统治地位。第二，与欧洲会拉丁语的知识分子的数量相比，东亚会汉文的文化人要多得多。第三，这是最重要的一点，其结果在欧洲不仅仅使用书面语言(或者神圣语言)的拉丁语，而且同时使用‘本国语言’(vernacular),如意大利语、法语、英语、西班牙语、葡萄牙语和德语等，依靠这些语言进行的各国间的交流也相当活跃。可是在东亚，作为文言文的汉文尽管各地的发音和读法有异，但所有的国家和地区都以它为通用的公用语。从这些国家和地区的相互交流来看，基本上是从中国这个中心向周边国家进行单向辐射的。而且各国语言之间极端缺乏交流的状态持续了相当长的时间，这在世界上也是史无前例的。”这实在是一个值得探讨的有趣现象。那么，为什么拉丁语“死去”而汉字却“活”了下来?其原因固然复杂，这里仅从汉字本身推究，是汉字的特点和优势所造成的。

　　第一，方块字在人类文字发展史上独树一帜，具有独特的魅力。

　　在人类文字发展的历史长河中，与世界上其他文字对比，汉字独树一帜，具有独特的魅力。古巴比伦的楔形文字，古埃及的象形文字，古印度的哈拉本文字，虽然我们今天从博物馆和遗址中能够欣赏到这些古老文字的残片遗迹，但它们都是已经死去了文字。而汉字作为人类四大古代文明中唯一延续下来、不曾中断的文字，至今仍在继续使用，这一现象本身即足以说明汉字的独特性与生命力。

　　腓尼基人发明的22个字母，经东罗马帝国发展为拉丁语，再经西罗马帝国发展为希腊语，然后经过漫长的中世纪直至文艺复兴，在欧洲遍地开花，形成各自国家不同的语言文字。而汉字则恰恰相反，不仅在中国本土得到统一和发展，而且传播到周边许多国家，在东亚和东南亚形成了广大的汉字文化圈。今天，我们在日本、韩国乃至东南亚的一些国家看到大街小巷和商号店铺触目皆是方块汉字。这是汉字和中华文化神奇魅力的具体体现。

　　第二，汉字的内涵极为丰富，所体现的文化博大精深。

　　由于汉字是表意文字，每一个汉字都有其特有而丰富的含义，这是刻板而枯燥的拼音文字所不可比拟的。可以毫不夸张地说，一个汉字就是一部大书，就是我们的祖先认识自然和人类社会的经验总结。譬如，冬天的“冬”字，本意是一段绳子的两端打个结表示结束，后来再引申为一年四季的最后一个季节，这才有了“冬季”和“冬天”的含义。再如，力量的“力”，原本是一种农具，上面有一个便于着力的把手，是一个象形字。如果把这个象形字“力”字与另一个象形字“田”组合起来，便成为一个新的会意字：“力着于田是为男”。由此推衍，“女之执帚是为婦(简化字为‘妇’)”……这些都反映了农耕时代“男耕女织”的社会分工。

　　东汉许慎的《说文解字》是一部划时代的巨著，它是我国第一部严格意义上的字典(此前虽有解释字义的《尔雅》)，许氏提出的540部首延用至今，他所归纳的“六书”(象形、指事、会意、形声、转注、假借)是对汉字发展规律的深刻总结。由于汉字具有规律性和科学性，不仅在中国本土南腔北调、方言丛生的情况下可以通过文字进行交流，而且就是在东亚和东南亚各国之间，甚至在正式的外交场合，彼此语言不通，毋须通过翻译，仅用汉字“笔谈”就能互相交流和沟通。

　　第三，进入计算机时代以来，古老的汉字仍呈现出无限生机。

　　当人类社会进入到信息时代，曾有人断言：计算机是方块汉字的掘墓人。然而，事实粉碎了对汉字持有偏见和悲观论调的说法。据统计，现有1000多种汉字输入法，无论从速度还是准确率上看，方块汉字的计算机输入丝毫不逊色于其他拼音文字。联合国现行的6种通用文字，即英、法、俄、西班牙、阿拉伯和中文。在这些文本中，汉语总是其中最薄的那本，这表明汉语是最凝练的。目前，世界上已有2300多所大学开设了汉语课程，约有5亿多外国人在学习使用汉语和汉字。我国近年在全球78个国家建立了300余所孔子学院和课堂，以满足各国人民学习汉语的要求。由此可见，在全球化和信息化时代的今天，古老的汉字又重新焕发出青春活力，依然显示出无限的生机。

　　新中国成立以来，开展了文字改革运动，即简化汉字、推广普通话和推行汉语拼音方案，取得了相当的成效。而台湾、香港、澳门一直沿用正体中文汉字(繁体字)。目前，海峡两岸正在协商编写繁简兼收、两岸适用的汉语字典。新加坡、马来西亚等东南亚国家也有自己的汉字简化方案。日本则采用新字体，采纳了大部分简化汉字。

　　尽管朝鲜(韩国)和越南都先后进行了文字改革，但汉字文化的影响至深且巨。现在，朝鲜语、越南语和日本语词汇的6成以上都是由古汉语派生出的汉字词组成的。韩国于1991年和1994年在汉城先后两次举行了“汉字优于拼音文字”的国际汉字学术研讨会，并且成立了“国际汉字振兴协议会”。韩国政府还规定中学生要认识1800个常用汉字，作为必修教育。日文中的当用汉字还有1000多个，且有增加的趋势。这些都充分说明，汉字自其产生以来5000年绵延不绝，永葆青春，显示出顽强的生命力，预示着未来的发展前景。

 

　　1月18日，中国摄影家协会阳光大厅洋溢着盎然的生机和蓬勃的活力，由中国摄影报主办的冯衍明《灵动》摄影艺术展览暨摄影作品集首发式在这里举行，一幅幅翩翩起舞的鹭鸟照片将阳光大厅装扮成了欣欣向荣的“鸟语花乡”。

　　展览的作者冯衍明有多个身份，一个是山东省淄川区双杨镇孟机村党委书记、村委会主任，一个是山东鲁维制药有限公司董事长，被媒体称为效益、责任一肩当。而工作之外，他还是一位摄影人，把镜头定格于大自然的秀丽景致或灵动一瞬，着力表现树之深沉与绿叶，花之轻盈与妖娆，鸟之展翅与嘤鸣。对摄影的迷恋源自冯衍明内心里对自然、生物的热爱，他认为做好企业是企业家角色的本分，但本分之外也要展示自己的人文情怀，摄影让他找到了适合自己的心灵寄托。

　　此次展览展出了冯衍明拍摄的鹭鸟作品。在他的镜头下鹭鸟仪容俊美、姿态优雅，在晨曦或暮色时分，成群的鹭鸟展翅掠过绿意浓郁的树丛，或是三两只在浅滩追逐嬉戏，或是落单的一只孤独的凝望缓缓西沉的夕阳。光影交错，物我两忘。在拍鹭鸟的日子里，他早早起身，在清晨的曙光中捕捉，在黄昏的暮色中探寻。为了适应鹭鸟的习性，他在树林中搭起了高高的脚手架，端起相机，有时需要数小时的等待，才能定格下自己意想中的构图。他起早贪黑拍摄，用心与鸟儿进行交流，鹭鸟的寻偶、产蛋、哺育后代等，每个细节都悉心记录。

　　冯衍明表示，他以自己的视角呈现自然之美，同时践行环保理念，他想通过这些作品呼吁更多的人，通过大家的共同的努力改善这些生灵的生存环境。我们能做的、要做的还有很多。

　　展览展出至1月27日。

　　他以当代艺术的一切形式，影像的、装置的、行为的，冲击帝国主义的一切存在，政治的、商业的，文化的

　　高且阔的画廊里，纯白色从脚到顶，衬得半人高的摄影作品也矮小起来。那些凋敝沉重的画面，浸在一片白光里，透出诡异的宁静。右转几步，揭开黑帘，仿佛进了另一个世界，一切淹在黑暗里，只有巨大的银幕闪着微光：男子穿上父亲遗留的军服，在机器风管的轰鸣声中，游走在迷宫般的化工厂遗迹里，寻找已经空洞的集体记忆。

　　陈界仁站在分隔白和黑的帘子前，着黑衣黑裤，戴黑框眼镜，花白的头发极短，根根竖起。背后的白墙上，用小字打着他的作品名--《帝国边界Ⅰ&Ⅱ》。这是他在大陆的首次个展。

　　作为台湾最具国际影响力的当代艺术家之一，50岁的陈界仁在威尼斯、里昂、圣保罗、利物浦、洛杉矶、马德里等地参展无数。2009年，他获得台湾“国家文艺奖”视觉艺术类大奖，成为此领域最年轻的获奖者。

　　坐在北京初冬的阳光下，陈界仁缓缓吸烟，用安静的语调讲“人民”、“帝国主义”这样的铿锵词语。他知道这在台湾属异类，即使在大陆，说它们都显得过气。但其实他说的，已不是这些词的通常意义。他经常要一个字一个字费力解释：“我知道这很容易被误解，就像我的作品常被误解为暴力。”

　　不是他者，而是我们

　　二十多年前，陈界仁服兵役，离开了台北郊区眷村的家。那片沙洲上，有残破的老建筑、斑驳的标语、连绵的加工厂、关押政治犯的军法局、高耸的围墙、刺目的阳光……像许多想逃离出生地的少年一样，他对自己说：我再也不要回来了!

　　他的确不再回去，除了过年。虽然离市区只有半小时车程，但在那时的陈界仁心里，那个家很遥远。

　　高职美工科毕业后，陈界仁不想念书了，因为觉得学校里教的抽象画之类，既无传统精神，也和现实无关。他去工厂打工，“每天锁那4个螺丝”，进卡通公司画卡通，开始拍实验电影、做装置。

　　正值台湾长达38年的戒严时期，陈界仁像个斗士，要直接去撞戒严体制。1983年，他召集朋友，顶着禁止街头集会的管制令，在台北最热闹的西门町街头表演了一场行为艺术《机能丧失第三号》。1984年，他在当时最“前卫”的美国文化中心举办个展，却在开幕当天被要求撤展。他和朋友们风风火火地一场场做活动，直到1987年，台湾解除戒严。

　　众人欢庆时，陈界仁突然沉寂了。

　　“我觉得有什么不对，不是说今天解严了，事情就过了，那种逻辑已经内化到我们潜意识里了。”他开始思考，民主到底是什么，只是每个人都有投票权?什么才是公平的经济制度?什么是自由?台湾怎么一步步走到现在?“我不相信那个答案很简单，我要多花点时间想一想。”

　　这一想就是8年。他辞去收入不错的工作，每天阅读、吸烟、思索，靠摆地摊的弟弟养活。

　　陈界仁又回到那片当年想逃离的沙洲，记忆和现实卷裹而来，那个他本以为像自然物一样平淡存在的眷村，在他眼里突然清晰：这是他的现实，也是无须摆脱的命运。“以前做的东西没有脉络，一直是想象西方，没有从自己的所在地出发。我觉得我开始懂得‘看见’这件事。”

　　1996年，36岁的陈界仁重新开始创作。他很穷，偶然碰上一个过去的朋友，正好有台586计算机，就借来做《魂魄暴乱》系列。他把盗版书上关于屠杀和刑罚的照片扫描下来，自己的小照片也扫描下来，放得很大，人的脸孔只剩下模糊网点，然后用数字笔凭想象一点点描清五官。他把自己的脸挪上去，有时是屠杀者，有时是受刑者，有时是旁观者，有时几者皆是。

　　这被许多人评为恐怖和卖弄奇观，而陈界仁想表达的是“失语的‘被摄影者的历史’”，选择这些看来恐怖的照片，是因为被刑罚者是被摄影者中最极端的例子，到死都难以逃逸。

　　两年多后，他带着《魂魄暴乱》参加威尼斯双年展，正式成为一名艺术家。

　　无数的微小力量

　　年过半百的女工们，回到关闭的工厂。银发的阿姨默默擦拭废弃的桌椅，趴在缝纫机上休息，在废墟中举起成衣，如一面旗帜。

　　上世纪90年代，台湾渐渐不再是世界工厂，密集劳动产业大量外移，许多工厂恶性关闭。2003年，陈界仁开始拍摄《加工厂》，将镜头对准无处可去的女工们。这曾是台湾北部最大的成衣厂，上千女工专门生产亚热带的台湾永远穿不上的皮衣和冬装。7年前，女工们失去干了20年的工作，甚至无法拿到退休金和资遣费。

　　陈界仁说服厂房的管理员，撕开法院封条混进去。他租回已经被卖掉的同厂牌缝纫机，找到还留下的三四十位女工，请她们重新回厂“工作”。8点上班，中午休息，5点下班。年老的女工们再一次摸到缝纫机，把线穿过针孔时，竟大多穿不过去，穿了很久很久。

　　此时，对恶性关厂的关注在主流媒体上早已沉寂，但对陈界仁而言，铭刻在台湾人身体内的30年劳工加工经验，不能忘记。

　　陈界仁不喜欢“社会介入”、“关怀弱势”这样的字眼，他拍的不是“他者”，而是“我们”。他的大姐做了一辈子女工，他也在加工厂做过一段时间。“这些人不是弱势，他们懂得怎样争取自己的权益。包括从戒严到解严，失业劳工很大程度上是推动社会进步的主要力量。”

　　这样的关注从上一个作品《凌迟考：一张历史照片的回音》就开始了。这段拍摄凌迟过程的影像里，闪出了一张张当代面孔：冷战时期的政治犯、工厂污染受害劳工、失业廉价劳工……“今天的劳工不就是处于广义的凌迟状态?反复、漫长、无止境，以及非人道的剥削，他们的生命被资本市场视为‘物’，剥削完了就被抛弃。”

　　吸引陈界仁拍摄《凌迟考》的，是一张1905年法国军队在中国拍摄到的凌迟照片，被捆绑、被肢解、被拍摄、被灌食鸦片的受刑者，在极度的痛苦下，竟面朝天空露出微笑。这张被西方知识分子广泛认识的照片，已经被讨论出诸多的哲学涵义。在陈界仁看来，最打动他的可能性是，一个无法逃逸的人，在似乎无法采取任何“行动”时，藉由一个具有主动性和行动性的微笑，创造了一个连死亡都无法消解的“困惑”。“我深深体会到，边缘区域可以如何在最不可能的条件下，创造出‘行动’的可能性。”

　　陈界仁笃信行动的力量，也平静地接受做事不是要马上改变它。“一定是无数的诸众，经过慢慢的沟通，汇聚无数微小力量，慢慢迫使它改变。就像台湾解严，不是哪天统治者大发慈悲就变了。是到了某个点，它自然被改变。”

　　所以，去年因勾错表格被美国在台协会面试官怀疑要偷渡时，陈界仁没有改天再去办一次签证，而是成立了“我怀疑你是要偷渡”网络博客，征求有类似遭遇的人写下自己受歧视的经验，同时也讨论如何改变这种歧视制度。

　　博客里的留言分三种，一种写下自己如何被刁难拒签，第二种比例很高，“帮着美国来骂我，主要是说，要遵守人家的法律。但纳粹屠杀犹太人、美国和南非的种族隔离政策、台湾的戒严条款，都是依法办理的。同样作为被歧视的台湾人，有这么多主动维护美国，值得深思。”陈界仁最重视反醒自身的第三种留言，台湾在对待大陆配偶、东南亚配偶和外籍劳工时，法律同样苛刻。

　　这些最终汇成了影像作品《帝国边界 I》，以“报告剧”的形式，第一段讲台湾人申办赴美签证受到的粗暴对待，第二段由9位嫁给台湾人的大陆配偶，亲身讲述台湾移民署的各种严苛审查和歧视。

　　陈界仁还决定，再不去美国。即使有人找到他，说可以送签证到家，他也拒绝了。不过他不拒绝对话，今年在美国的演讲，他“创造分身”，请朋友帮忙去讲。对他来说，“不去”是行动的方法，不是故作的姿态。

　　西方公司

　　最新的作品里，陈界仁把目光从最眼前的现实转向他已逝的父亲。父亲出生在福建惠安一个贫穷渔村里，为讨生活参了军，成为国民党。“除了当兵没有其他出路，如果他身在延安，可能就是共产党。”

　　童年，陈界仁对父亲几乎没有印象，只记得有一天家里突然来了个军人，很奇怪。小小的陈界仁拖他行李，要赶他出去，被拦住说：那是爸爸。父亲长年驻扎在金门，是美国CIA和国民党训练的反共救国军。“他得去攻打自己的家乡，到后来自己都无法面对，开放探亲后都不愿意回去。”

　　沉默的父亲很少谈自己的生平，陈界仁甚至不知道祖父的名字。

　　父亲过世后，陈界仁打开了他的遗物。那是一件老旧的军服;一本半虚构的自传，应对上级检查他对党国的忠诚;一份“反共救国军”突击舰在海上被解放军击沉的手抄阵亡名单，阵亡军人的家庭情况，大都写着“家贫”;一本空白相薄，里面曾有正在训练的大兵照片，都被父亲烧掉了。

　　服兵役时，陈界仁也被分到反共救国军。看着父亲的遗物，陈界仁想：我们两代人都在帮美国人当守卫吗?

　　陈界仁开始做《帝国边界Ⅱ--西方公司》。训练父亲的CIA，那时在台湾叫“西方公司”。“我说的重点不是西方，而是公司，其实到今天我们都没有真正离开西方公司，而且它变得更大了，全球都是。”

　　训练父亲的那个“西方公司”已经没有痕迹，陈界仁找到一个1957年美国经济援助台湾时盖的化工厂。在空荡的遗迹里，陈界仁搭景拍摄：父亲忌日时，儿子凝视父亲留下的遗物，穿上父亲的军装，在焚烧银纸的烟雾中走入恍如“西方公司”的废墟，陆续遇到回来寻找自身档案的“反共救国军”、从未离开这栋楼也无档案的“白色恐怖受难者”和当代失业劳工。

　　“我的兴趣不是讲我父亲怎么了，那代人基本上不会去谈这些事，那是一种集体的缄默、空白化。这个历史留下太多的空白，没有机会反思。穿过社会表象去看它，才能找到根源。”

　　他找到对抗空白化的方法是“人民书写”和“人民记忆”。有时，他把“人民”换成“诸众”。“台湾主流媒体报的基本上是富豪、明星、房地产，都是所谓成功人士，其实是在慢慢排除真实，只给我们看关于成功和娱乐的幻影。每个人都应该有言说的权利，从自己的角度写个人的历史，这才是文化和历史的多样性。”

　　陈界仁说，在这个帝国的世界里，很难再用简单的体制--反体制逻辑去思考，能做的是，敲打、扩大帝国的一个个裂隙。

　　历史不可能只是过去

　　记者：你所说的帝国是什么概念呢?

　　陈界仁：帝国不是说某一个国家，而是在今天的新自由主义下，不同国家的统治阶级通过全球跨国资本相互兼容起来，类似WTO架构。用最简洁的话来说，就是全球彻底资本主义化，彻底私有化，贫富悬殊就会被拉大，物价变高啦，等等。自由很美好，但新自由主义，资本是自由的，人不见得自由，只是被当作货物一样移动。

　　记者：边界是指什么?

　　陈界仁：帝国是没有边界的，无中心的，无所不在的，因为我们统统都在新自由主义这个架构下。但我讲的边界是，当我们意识到帝国的存在，试着去抵抗，有不同的想法，其实意识上的边界已经形成了。

　　记者：怎么想起来讲自己的父亲?

　　陈界仁：台湾1895年割让给日本，被统治50年后，马上就是国民党来，戒严38年。88年，那么长的时间底下，台湾历史上的反抗者基本没有好下场，被关、被杀、被残酷镇压。很多人不了解，觉得台湾被殖民那么久，为什么还那么喜欢日本。其实前25年的抵抗是很激烈的，结果很惨，你没有任何外援，封闭的环境，抵抗不是办法，所以后面25年你要试着去跟殖民者协商。

　　我们习惯谈当代就是此时此刻，没有时间的纵深，我觉得这是很危险的。我拍成衣厂，大家会觉得这是过去的历史，但其实这不是过去啊，她们都还住在这里，生活在旁边，还在挣扎，为什么会是过去呢?我父亲是反共救国军，我当兵也是在反共救国军，我还在啊!好像我们现在只有年轻人、只有林志玲才是当代。为什么我们今天会有很多问题形成，或者像部落格里有那么多人跑过来帮着美国人骂我，这些东西是怎么来的?其实就是历史上很多东西演变来的。某种角度上讲，我们好像经过了一个洗脑，对比我厉害的人和国家的自我贬低，对不如自己的人和国家的优越感，有这种帝国意识。我对这个怎么形成的比较感兴趣。历史不可能只是过去。

　　所以我会以我的父亲为例，不是想拍他的生平遭遇，那个年代，我父亲这样的人太多了。

　　记者：从《加工厂》我想到今年发生的富士康跳楼事件，你是怎么看的?

　　陈界仁：你可能不知道，就在那段时间，台湾工人联名抗议过富士康。台湾很像新自由主义下被训练出的干部，你看他们做的“苹果”，一台市面售价大概三四百美金，但是苹果给富士康大概只有十多美金，所以一个劳工做一台，那个价格一定非常低。我们看到富士康，但没有看到它背后那个更可恶的“苹果”。大家那时候批判富士康，苹果总公司也派人到富士康视察，表示他们在调查，很伪善的。从这个角度看，台商就作为了一个可以被看见的资本家，但是更大的原因其实在他的根部。

　　记者：但这好像陷入了一个无解的问题。

　　陈界仁：乍看无解，但是我的答案很简单，我们要相信点点滴滴的工作，因为我们不可能做一个事情，明天就改变。就好像戒严，我一出生就戒严，所以从来没有想什么是戒严，因为很自然嘛，日常生活。但无数微小力量的汇聚，改变了台湾的戒严体制。我相信对于今天的新自由主义也可以这样做。

　　记者：你会拿现在的大陆跟台湾做一些比较吗?

　　陈界仁：中国大陆的所有小事都是大事，一个春运来回都是多少亿人。不能简单类比，好像台湾走在前面一样，只是说我们可以作为某种参考。两岸太缺乏交流了，台湾许多失败经验也没办法传达，比如台湾为环境污染付出的代价惊人，现在大陆也是。

　　记者：你一直致力于反对新自由主义和西方，但你的声誉很大程度上却来自参加国外展览，会觉得有些矛盾吗?

　　陈界仁：西方，只是盖锅式地讲，不要忘了，马克思也是来自西方。第一世界和第三世界，是混杂在一起的。你到英国曼彻斯特，特别是利物浦去看，全台湾没有产业化后那么萧条的，有70%的建筑是空的，我2006年去利物浦，全市只有20万人，原来有100万。对我来讲，不是反对全球化，而是反对只有资本移动的全球化。

　　我从来不是反西方的，我觉得这是关于人类的集体命运，不是简单的东方西方。中国大陆是新自由主义最大获益者，不是吗?在西方也很难看到这么大的资本主义发展或者像东京那样超级巨大的异化的城市，这些都在东方啊。

　　去参加那些活动我也没有觉得所谓的成名啊，比起中国大陆的当代艺术家，我们太小了。西方有着强大的中国热，谈政治的时候我们是中国大陆的一部分，谈当代艺术的时候我们是不属于中国当代艺术的。

史奭源去年作品《秋天金刚山之九龙瀑布》，风格雄伟刚劲。

　　韩国艺术家史奭源首次在港举行个人作品展，他的样子温文随和，比实际年龄要年轻，其油画以中国书法利落的线条，及西方厚重的油彩，描绘出生趣盎然的大自然景物，色彩丰富，风格纯朴，充满童真，观之感到愉悦。

　　幼居农村 崇尚自然

　　史奭源今次来港展出十二幅新画作，题材虽是平常的动物及风景，但画来气势磅礴壮观，远看是生动的景物，近看是一堆堆重叠的油彩色块，他用画刷直接在画布上落笔，挥洒涂抹，厚薄有致。如三幅金刚山的瀑布风景画，画家以粗獷的笔触，纯白色油彩一挥而就，展现出朝鲜著名景观九龙瀑布的雄奇奔放;红黄绿的色点交替，表现出金刚山的迷人秋色，山顶远处的树林用幼笔细緻描绘，对比强烈，显示画家深具运用视觉语言的天分。

　　史奭源生於1960年，为韩国著名艺术家，作品在世界多个地方展出。五十岁的他外表看来只有三十多，身形适中，面容饱满，温文祥和。他说，自幼与祖母及母亲居於农村，踏足田野欣赏美丽的大自然风景，加上饲养不少小动物，童年美好的回忆，深印在他的脑海中，成為他创作的灵感泉源。他又说，七岁前不懂说话，性格内向，不擅与人沟通，每天画画抒发情感，故自小已确立路向，大学时专攻美术，并曾往法国留学。在巴黎，他深受非洲艺术影响，原始淳朴的非洲艺术品，与崇尚自然的史奭源，不谋而合。

　　画油画有独门方法

　　公鸡、小狗、老虎、驴子、公牛、白兔等动物，在画家笔下，生动之餘兼富有童话色彩，如《红杏与兔》，白兔在圆月之夜跳跃，令人想起中国传统节日中秋节，鲜红的红杏带出喜庆气氛，寓意了对新年的美好展望;《享受浸浴的老虎与喜鹊》及《兄妹之合唱》，画的是活力充沛，色彩斑斕的小虎子，原来韩个人自古以来视老虎為守护神，牠与韩国有深远的关系，亦象徵了韩国人如老虎般富活力及刚猛的特质。

　　关於其创作生涯，史奭源说早期都是用中国水墨入画，他用书法的利落线条来画动物，后来混合西方油彩的多元色调，他画的油画自有其独门方法，一般人要待底层的油彩乾透，再画第二层，至少要花数天时间才能完成一幅画。史奭源则打破常规，以一至两天的时间画毕全画，过程看似简单及花较短时间，然而史奭源强调，要一次过画好不能停下来，才能发挥力道，中国人有句成语“一鼓作气”，他说与水墨画的原理其实是一样的。

　　回忆到肯尼亚旅行的经验，史奭源表示，曾经亲眼见过大犀牛，零八年画下《犀牛》，用大刷画几条粗线条，便构成犀牛庞大的身躯，厚重的油彩色块营造出张力。

　　与史奭源交谈，不期然对他绘画的过程很感兴趣。看他的画，感受到一股热情乐观的精神，韩国人生性简单率真，他们的生活文化独特，造就韩剧、韩国电影、韩国菜大受欢迎。

　　要欣赏这批富生命力的油画，不用远飞韩国，史奭源个人作品展由即日起，在中环遮打道历山大厦十八楼的首尔拍卖行展出，展期至本月二十八日。

　　近日，由山西省文联、山西省美协主办，山西美术馆、山西省文联发展文化产业协会协办的“潘天寿学生书画作品邀请展”在山西省文艺大厦开幕。共展出吴山明、张立辰、孔仲起、程宝泓等18位潘天寿学生的书画作品300余幅。

　　山西省文联党组副书记、山西省书协主席石跃峰主持了开幕式，山西省文联党组书记、常务副主席宋新柱发表讲话，潘天寿纪念馆原馆长卢炘致辞。中央美术学院院长、潘天寿之子潘公凯，上海程十发艺术馆副馆长、程十发长子程助等十几家单位及个人给展览发去贺电。

　　潘天寿是近现代杰出的国画大师，被后世誉为二十世纪中国画四大家之一，是中国画历史上有着重要地位的一位创新者。他重视传统艺术和文人画的创新，强调民族风格，强调中国画线条艺术的继承和发展，创造了峻逸雄阔的鲜明风格。他的学生们继承了他的新文人绘画传统和艺术精神，作品中透出一种闲静、冲和之气，一种纯粹、率真之意。如今，潘天寿的这些年入古稀的弟子，已成为当代中国画坛的中坚力量。

　　在开幕式上，程宝泓、李苇辰、王辛大、周洪海、金林观、徐震时等多位画家还将自己的精品捐给山西美术馆永久收藏。展览将持续到1月28日。

　　王兰若是岭南著名画家、美术教育家，擅长中国画，尤擅画兰梅竹菊。在漫长的艺术教育和艺术创作生涯中，王兰若先生创作了大量艺术作品，且桃李遍天下，表现出一个艺术家爱祖国、爱家乡的真挚情怀和甘于奉献的高尚品质，为地方文化艺术事业作出了贡献。  中新社发 郭海 摄中新社广州1月21日电 题：百岁画坛名宿王兰若“老树发繁枝”
中新社记者 索有为当今中国画坛上仅存的百岁名宿可谓寥若晨星，而年已百岁依然能挥毫泼墨的更是屈指可数，在广东侨乡声誉广播的王兰若便是其中的一位。
21日，王兰若百岁新作展在广东美术馆启幕。熟知王老清新画风的文化界名流及观众，在百余幅苍莽、拙重的画作面前赞叹不已。业已蜚声当今画坛的著名画家、王老弟子方楚雄说：“老师九十九岁病后，画风大变。老师的变法虽然与其身体和自然规律有关，更与他的人生阅历、艺术修养和坚实深厚的传统功力有关。”
已跨越人生101个春秋的王兰若，生于广东揭阳，20世纪30年代求学于沪上，得到刘海粟、黄宾虹等前辈大家的赏识，后又在泰国、新加坡、马来西亚等地游学并举办画展，并开始他漫长的艺术教育和艺术创作生涯，给当地美术界留下了不可低估的影响力。
王兰若先生的画作笔触线条轻逸、灵动，既具有雅儒的古意，又充满浓厚的生活气息，在现代中国画坛独树一帜，擅长山水、人物、花鸟等，尤对兰花情有独钟，画兰艺术独步画坛，饮誉海内外。王兰若的画集曾先后在北京、上海、香港等地和泰国出版，在东南亚颇有影响，潮汕地区的不少华侨都希望能得到王老的画作并引以为荣。
专程赶来参加画展开幕式的王老爱女王种玉，显得十分开心。她告诉记者，2009年，99岁高龄的父亲不慎跌倒后昏迷入院，在经历了脑颅手术初愈之后，以顽强的生命力奇迹般挺了过来，而且还坚持创作，两年来创作的新作达到100多件。王种玉说：“父亲这两年最大的变化是笑得更爽朗，笑的次数更多了，真的是回到童年的纯真状态。”
王老弟子方楚雄如是描述：王老手术后一个月，尽管身体还十分虚弱，甚至无法站立，但当他被老伴搀扶着走近画案提起画笔时竟然判若两人，精神矍铄落笔生花。这两年老师所画的兰花已不同昔日，以前是一朵朵婀娜多姿，兰叶交搭穿插，规矩严谨，而今已是老笔纵横，随心所欲，表现出对兰花性格的追求。
在1997年广东美术馆落成之际，王兰若精选了50件各个时期代表作慷慨捐赠。近日，老人又将百岁新作中的几幅捐赠给广东美术馆。王种玉说：“父亲这俩年依然关注公益，听到玉树地震等灾害消息后，就拿出精品画作卖出后将所得捐赠灾区。”
王老的画展上，还有不少他的弟子。他们感慨，老师已是百岁人瑞，然而他对人生的从容和创作的热情是后学的楷模。(完)

　　今年63岁的民间陶瓷艺术家孙美玉先生，在徐州向以制作仿两汉古陶和仿红木陶器几可乱真著称。今日，记者走进孙美玉的古陶作坊，采访了这位与陶艺已经打了40多年交道的著名陶艺家。

　　在孙美玉工作室，见到他正在忙碌着，手上、身上沾满了泥土。孙美玉不善言谈，他的沉默寡言恰好与他所从事的古陶艺术相契合。他告诉记者，为学习和模仿古人的制陶工艺，他每天都反复琢磨，一遍遍的试验，长年与泥土和古陶为伴。记者在他的作坊里可以感受到，这里的一件件仿古陶，仿佛将人们领进2000多年前的两汉时代。

　　在孙美玉的古陶作坊里，记者大开了眼界。仿制的狮子山兵马俑，线条简练明快，生动传神；仿驮篮山西汉楚王墓出土的女舞俑，面目清秀，长袖飘逸，体态柔美，表现出女性特有的妩媚；仿北洞山楚王墓的义卫俑，雕、塑、绘画工艺十分精湛，五官均用彩线勾勒，神情各异，栩栩如生。此外，仿徐州汉代俑塑作品中的动物，也都造型准确，自然生动。

　　有关专家将孙美玉的仿两汉古陶称为“徐州一绝”，实在是当之无愧。他仿制的国家一级出土文物马头、骆驼，洋溢着浑厚的楚汉雄风，充分体现了大汉豪放的雕塑风格。

　　除了仿两汉古陶外，孙美玉精心研制的龙山文化和红山文化古陶精品更是一绝。　据孙美玉介绍，龙山文化陶器是黑陶中的极品。龙山文化泛指黄河中下游地区新石器时代晚期的文化遗存，距今约有4350─3950年。龙山文化的陶器多以压印和篦点的之字形纹和彩陶为特色，种类有罐、盆、瓮、无底筒形器等。红山文化的彩陶多为泥质，以红陶黑彩见长，花纹十分丰富，造型生动朴实。红山文化全面反映了我国北方地区新石器时代文化特征和内涵。

　　据孙美玉介绍，目前徐州汉墓、汉文化景点都在收藏展示他的作品，且他制作的仿古陶已有1000多件流传到国外，甚至被奥地利、英国等国家的博物馆所收藏。

 

　　近日，由省文联、省美协联合主办的“潘天寿学生书画邀请展”在省文联大厦开幕，共展出吴山明、张立辰、孔仲起、程宝泓等18位潘天寿学生的书画作品300余幅。潘天寿是近现代杰出的国画大师，被誉为20世纪中国画四大家之一。他重视传统艺术和文人画的继承和创新，强调坚持民族风格，创造了峻逸雄阔的鲜明风格。

　　自2008年初，由广东岭南会筹划的首次“郭绍纲家庭画展”成功举办之后，“家庭画展”在2010年末举行巡回展，先后在珠海市古元美术馆、东莞市岭南画院美术馆展出，此次巡展最后一站是广东美术馆。展览汇集了郭绍纲、高志、郭晨、郭梅、郭悦一家五口近期的绘画作品，其中还展示了郭绍纲2010年在加拿大创作的最新作品。

　　据悉，2010年正是郭绍纲与高志两位老人结婚50年之际，所以，展览还具有了金婚纪念意义。目前他们一家人分别居住广州、温哥华、香港、北京，被郭绍纲本人笑称，本次展览实为来自太平洋两岸四地的展览。本次展览将他们五人的作品集结在一起，奏响了这个家庭画展丰富多彩的交响乐章

　　郭绍纲教授由北平艺专而入中央美术学院，师从徐悲鸿、李可染、吴作人等美术界名宿巨彦学艺，毕业后赴前苏联列宾美术学院进行五年深造，回国后历任广州美术学院油画系副主任、美术教育系主任、副院长、院长等职多年。郭绍纲的油画可以用“大家风范”、“美质中藏”来形容。语言质朴，格调淡雅，画面在大气势、大色调中求变化，在单纯之中求丰富，初看平淡，细读丰富，无论色彩还是笔法，既概括凝练，又变化微妙，意趣无穷。庄子说：“既雕既琢，复归于朴”。无论对画品或人品来说，质朴都是非常可贵的。

　　夫人高志是河北省定县人，曾在广州美术学院的版画系和工艺系办公室任教务工作。作品主要有版画、水彩、漆画等。漆画作品《冰上之花》1993年参加过全国漆画展，漆画作品曾在广州美院学报和工艺系系刊上发表。退休后，她勤拿画笔，主要为水彩风景画、静物画，作品显得质朴隽秀。

　　受父母的影响，三个子女都无一例外地在从事美术教育工作，其儿女郭晨、郭梅、郭悦，都在绘画领域具有深厚造诣。这个家庭是名副其实的“艺术之家”。郭晨是大儿子，1961年出生，1988年毕业于广州美术学院。1991年郭晨移民加拿大后在多伦多市正式开始其美术教学生涯。郭晨的艺术创作以油画风景为主，他的作品功力扎实源于早期工艺美校和美术学院里的基础磨练，画面洋溢着明快的色彩则取自多年在北美生活对大自然天地灵犀的感受。郭悦是二女儿，1967年出生，1989年毕业于广州美术学院工艺系。1995年移居加拿大温哥华，一直从事绘画创作及美术教育工作。她擅长油画，作品婉约绮丽，曾在温哥华，广州，深圳等地多次展出。郭梅是三女儿，也是郭家最小的成员，1971年生于天津市。1995年毕业于广州美术学院服装设计专业，曾出版《郭梅水彩》画集。2009年移居北京。她钟爱兼擅长油画、国画，酷爱水彩画，作品显得生动活泼。

　　对于本次画展的意义，郭绍纲老师曾说：“举办画展，既是自我总结劳动成果回报社会，又可听取各方面的意见。我们每一位参展者都希望得到观众们的理解和鼓励，与我们一起分享创造绘画艺术美的快乐。”

　　著名敦煌学家段文杰先生于1月21日在兰州逝世，敦煌研究院网站“素颜”吊唁这位将60余年心血倾注于敦煌艺术研究事业的老者。

　　敦煌研究院22日发布消息称，著名敦煌学家、原敦煌研究院院长段文杰先生，因病医治无效，于1月21日17时在兰州逝世，享年95岁。25日上午9时，兰州华林山殡仪馆怀远厅将举行段文杰先生遗体告别仪式。

　　先后任国立敦煌艺术研究所代理考古组组长、敦煌文物研究所所长、敦煌研究院院长等职务的段文杰，于1917年出生于四川，1940年考入国立艺专国画系，1946年，他辗转来达敦煌，从此开始了对敦煌莫高窟壁画所做的临摹、保护和研究工作。

　　从1946年开始，段文杰共临摹敦煌壁画384幅，面积达140多平方米，在国内外多次展出，创造了敦煌壁画个人临摹史之最。

　　除在敦煌壁画临摹的功绩外，段文杰在敦煌艺术理论研究方面也成就杰出。60余年来，他共发表学术论文50余篇，著有《敦煌彩塑艺术》、《敦煌壁画概述》等。

　　而历时10余年，由季羡林担任主编、段文杰等任副主编编撰出版的240万字《敦煌学大辞典》更是涵盖敦煌学的所有方面。

　　此外，段文杰及其同事曾对莫高窟洞窟进行了一次全面的编号、测量和内容调查，他们做的洞窟编号被认为是最完整和科学的，至今仍在沿用。

　　1984年，敦煌文物研究所升格为敦煌研究院，时任所长的段文杰也从此成为敦煌研究院的第一任院长。在担任敦煌研究院院长期间，他在引进和培养人才、寻求国际合作保护研究敦煌文物方面做了大量工作，使敦煌文物保护由过去的抢救性保护走上了现代化科技保护道路。

　　从26岁立下壮志“我要把我的生命和一切都奉献给敦煌艺术”到如今与世长辞，段文杰为自己钟爱的敦煌艺术研究事业倾注60余年心血，在他和几代敦煌学研究者的共同努力下，改变了“敦煌在中国，敦煌学研究在外国”的局面。

　　在莫高窟藏经洞发现百年之际，段文杰被授予“敦煌文物保护研究特殊贡献奖”；在他从事敦煌艺术保护研究60周年和90华诞时，他被授予“敦煌艺术保护研究终身成就奖”。

　　现任敦煌研究院院长樊锦诗曾说，段文杰从美术史和美学的角度探讨敦煌艺术的风格、技法等特色，以及敦煌艺术形成的历史的、社会的原因，并从宏观的角度来把握敦煌艺术的时代发展脉络。凭借这一系列的研究，可以说，他是敦煌艺术研究的集大成者。(完)

　　北京对画空间画廊在年关将至的时候还在忙着办展览，画廊艺术总监李颖也每每被人问起你们什么时候放假?在2011年1月22 日举办的这个展览是《空城时代》吕鹏个展。展期跨越中国传统新年，展览现场有吹糖人的，还有憨态可掬的兔儿爷，已经年味十足了。

　　讲了这么多现场的氛围，还是让我们的视线重新回到关注艺术家和他的作品上来吧。此次个展的艺术家是北京教育学院副教授吕鹏，除了十余副布面丙烯、纸本彩墨等架上绘画作品外，艺术家创作的雕塑作品也首次展示。

　　中国画工笔重彩的手法、技巧，构图的方式却是解构的，时空并置、重叠的。绘画之前就经过做旧的纸和作品中市井风俗碎片的融合对观者造成一种陈旧与新鲜的对照，传统世俗社会与今日景观的时空并置。作品中的春宫图无意色情，轻松翠柏、喜剧人物也都无意与图像本身的实在意义，共同在繁杂热闹的滚滚红尘里演说“虚空”二字。

　　吕鹏对展览主题与作品的关系讲到：“毫无疑问的，我们生活的城市永远是无休止地喧闹。想象一下，如果这个城市，有一天突然沉寂下来，空无一人，那该是什么样的景象和感觉。就像我的作品，虽然起名叫空城时代，但作品中依然充斥着喧闹和浮华，这种反差带给我们应当是深一些的思考。另外“空城时代”这名字有点酷。”

　　今日信息获取的便利程度在以往时代是无法想象的，同时这庞大的信息量对个体的冲击也是无法估量的。如此次展览策展人李颖所说“社会的现代化进程已经把人搁置到一个别无选择的处境，我们必须快速应对花样翻新的现象。在这样的情况下，新事物的不断被快速消化，导致人的心理机制逐渐获得了一种快速反应能力。人们无法通过朋友、亲戚或熟人消化信息。人们每天遭遇数量庞大的人流，彼此只是见面并不攀谈，相互完全不了解，却又必须“安然无恙”地相处在城市的狭小空间里。这就要求个体面对陌生的人或现象时即时做出反应，以获取自己的生存空间。吕鹏笔下的人物正处在这样的状态，他们不得不拥挤在以平方米计量的画布上，或互相争斗，或互相戏谑，都只为争得自己的一席之地，只为与周围毫不相干的人或事物安然相处。至于周遭是什么，显然无暇顾及和思考。”

　　吕鹏的作品把传统的文化图像引入当下的文化语境中来，反观现实世界的看似纷繁复杂实则空旷荒芜的真实境遇。

　　展期将持续到2月28日结束。

　　91岁老画家黄云溪先生，寓居台湾，思乡心切，特别将100件国画作品、20张书法作品无偿捐赠给厦门美术馆收藏。昨日上午，由厦门市中华文化联谊会主办的“文雅之境·散淡胸襟——黄云溪艺术捐赠展”在厦门美术馆开幕，这是厦门美术馆首次接受台湾画家整批作品的捐赠。市领导洪碧玲、臧杰斌等出席开幕式。

　　黄云溪先生的作品画幅不大，用的是一尺至四尺之间的宣纸，画面简洁，走笔绵密，一山一树一溪一石一屋一舟，造境空旷而闲适，宛如明人笔记散文，空灵明净，意简性真，具有高古的意趣，完全继承了他的师傅、国画大师溥心畲的风格。站在他的画作前，观者恍若置身于远古时代，一股原始的自然清风拂面而来。

　　据悉，此次展览将持续至2月22日。

　　昨天下午，“兔趣艺展”开幕式在金桥国际商业广场举行。这个展览由李旭策展，刘建华、向京、季大纯、薛松、方少华、陈可等艺术家参展。

　　就参展名单而言，这个展览确乎汇集了中国当代艺术界一批优秀的雕塑家，但所有的作品都是以兔为主题的命题作文。艺术家使用的，也是时下流行的低碳环保材料。这是策展人的要求，或者说是商业广场的要求更为确切。

　　于是我们可以看到，艺术家的作品占据了商业广场户外、室内的大片空间，和消费的氛围浑然天成。孙良的兔子长着翅膀，所以叫做“飞兔”;陈可的兔子在兔唇那里开着一扇门，所以叫做“小兔儿乖乖，把门儿开开”;唐晖的兔子脑袋是方的，身体也是方的，所以叫做“兔立方”;向京的兔子有着女性的性征，两只耳朵是七彩的，因此叫做“彩虹兔”……刘建华的“瞬间物体”比较特别，层层彩色竖板上空出兔子的形状，而镂出的那些兔子则一只接一只迎头撞在了路边的灯柱下。也许这个“守株待兔”的新版本阐释，是艺术家给大家都能不劳而获的戏谑祝愿。

　　策展人李旭表示，当代艺术与时尚空间的互动，是当下方兴未艾的全新议题，所以他希望这次展览能够成为一个绝佳的契机，“让艺术唤醒审美，让创意点亮生活。”事实上，他的说法颇为矫饰。简单说，电影导演都会去拍电视剧和广告片，艺术家和商业的合作与其没什么区别，都是一份赚钱的兼职，没有必要羞涩。

　　艺术家象征资本，似乎已经开始能为商业空间带来人流和利润。所以，越来越多的艺术展览在这些消费主义的大本营开幕。就在不久前，艺术家宋冬在上海某个大型商场用无数饼干垒砌了一座上海，邀请观众“吃掉城市”。本质上，这种对消费主义的消解正是消费主义逻辑的体现。相比而言，昨天的这个“兔趣艺展”要含蓄得多。

　　“两年前，王兰若老师不慎摔倒，跌伤造成颅内积血。手术后一个多月，他还无法站立，生活还无法自理，当他被扶近画案提起画笔时竟然判若两人，立即精神抖擞地投入创作。”日前，“王兰若百岁新作选”在广东美术馆开幕，他的弟子、著名画家方楚雄如此描述一个百岁老人勃发的创作热情。
1911年生于广东揭阳的王兰若，被认为是潮汕当地画坛的“泰斗”，他早年赴上海求学，受教于上海美专，师从刘海粟、黄宾虹、诸闻韵、谢公展、王个簃等前辈大家。毕业后王兰若没有北上，也没有留在更容易出名的广州，而是回到偏远的潮汕老家，甘当美术中学教师，数十年如一日。
岁月如流，今年已是王兰若老先生跨越的101个春秋，而如今画坛百岁老人寥若晨星。半个多世纪的艺术跋涉，王兰若远离功名、静若止水，笔下闲花野草、动潜飞植日臻化境。而同时，他也桃李满天下，弟子方楚雄等人成就为名画家，儿子王璜生在美术界开疆拓土，他和刘昌潮等老一辈画家在潮汕当地生根发芽，影响了整整一代潮汕画家，如今占据广东画坛半壁江山。
这位传奇的百岁老人经历了怎样的艺术求索?走过了怎样平静而不平凡的艺术之路?南方日报记者在画展期间专访了他的女儿王种玉，画家方楚雄等人。
画风独树一帜影响岭东画派
“当代画坛在全国有影响的潮汕艺术家，都直接间接地受过王老指导。”中国美协副主席、广东美协主席许钦松说，当年在老家潮汕虽然没有亲自拜王老为师，但临摹过他的作品。
王兰若上世纪30年代赴上海求学，在上海美专得到刘海粟、黄宾虹、王个簃等前辈赏识。当时他有机会留在北京和广州，他都决然放弃，选择回到了老家，甘当一个中学美术教师，培养了一大批美术人才。
“他与关山月、黎雄才是一代人，虽然他没有关、黎那样闻名于世，但他对潮汕当地美术的影响非常大。”汕头美协主席陈政明说。如今的广东画坛中，潮汕籍画家几乎占了半壁江山，不能不说与王兰若、刘昌潮、罗铭、邱及、孙文斌等老一辈画家影响有关。
“如果存在一个岭东画派或潮汕画派，王兰若当之无愧是扛旗人。”许钦松说。王兰若作为一个与海派传统具有特殊因缘的艺术家，画作笔触线条轻逸、灵动，既有雅儒古意，又有现代生活气息，以笔下葱茏繁密、生机勃发的兰花出名。
在画坛风格独树一帜，王兰若选择入画的题材几乎没有禁忌，并未囿于吴昌硕一类大师“圈定”的范围。他自成一派风格，更多得益于他一生坚持不断的写生。王种玉说：“有时候，老人在市场上看到一些奇特的鱼，就会买回来用鱼缸养起来写生。他画过很多虾、蟹，都是他买回来画，画完了拿去煮，煮熟了再画，画完了再吃。我陪老人出去散心，但无论走到哪里，看到什么，他都要与画画联想，首先想能不能入画。”
究竟潮汕画派或岭东画派的说法能否成立?早在1982年，刘海粟就曾提出这个概念，他曾说：“潮汕画家队伍不小，力量雄厚，要敢闯，要有自己的风格，形成潮汕画派。我反对搞宗派，但提倡画派。”
广东美术馆馆长罗一平认为，潮汕画派与海派之间有着更深的渊源。潮汕地区经常通过海路与闽、沪等地区接触。上世纪二三十年代，一批潮汕学子求学于沪上，后来这些人中大部分又回到了潮汕本地从事美术教育，培养了一批批潮汕画家。
“岭南画派注重形体、光影，而潮汕画派更重视笔墨和格调。另外，潮汕地区比较闭塞，相比于岭南文化，更多地显示出对传统文化的坚守。”罗一平说。
百岁风格突变慷慨捐出力作
2009年，王兰若99岁之际，不慎跌倒后昏迷入院，因颅内积血要脑部引流抢救。脑颅手术后，王老的身体变得虚弱了，但他却仍然坚持创作。“他现在行走站立不便，但精神好的时候提笔作画，他竟能站起来挥笔。”王老女儿王种玉告诉记者。
颅脑手术初愈后，他以顽强的生命力奇迹般挺了过来，王兰若又重返画案，坚持创作，两年来创作的新作达到100多件，他将其中数件精品挑选出来，捐赠给广东美术馆。
这批百岁新作中，丰富的色彩和细致准确的造型开始隐退，代之以纯粹的水墨和有力道的笔墨短线。他的弟子、著名画家方楚雄说，这两年老师所画的兰花已不同昔日，以前是一朵朵婀娜多姿，兰叶交搭穿插，规矩严谨，而今已是老笔纵横，随心所欲，毫无羁绊地追求兰花高雅性格。
王种玉说，百岁老人现在是返璞归真，不再拘泥于任何形法。用罗一平的话说，此时的王兰若先生超越了材料、超越了笔墨，已经达到了任心性而行，从心所欲而不逾矩的境界。
王种玉告诉记者，病后这两年，王兰若作画时用笔用墨都不刻意，“他的心境很平静，有时候又会像孩子一样，画画的心态也充满了童趣。”这股情趣之下，百岁王兰若经常把石头画成各种动物，有一次在家中画一块石头，画着画着就画成了小猴子转身依偎母猴子的形态，最后就命名作《母子图》。在另外一幅新作《凝神致远》中，王兰若又把石头画成了一个人看着自己的脚的样子。
百岁老人生活非常节俭，画作没有被人为炒作成天价，他经常把自己的心爱之作拿出来义卖捐赠。1997年广东美术馆落成之际，王兰若精选了50件各个时期代表作慷慨捐赠。而汶川和玉树地震后，他都主动挑出自己的精品义卖，将所得捐赠灾区，拿出的全是自己的力作。
○相关
百岁画家的艺术之旅
走过百年，王兰若一生在不断作画、不断出新。广东美术馆馆长罗一平谈到，王兰若的创作可以分为3个阶段：上世纪50年代到70年代的“法理阶段”，80年代开始的“意趣阶段”和百年之际的“心性阶段”。他的女儿王种玉也向南方日报记者解读了百岁老人的艺术人生。
第一阶段：代表作《四时景色长卷》经受磨难意趣盎然
王种玉回忆说，在1957年“反右”的时候，王兰若被打成“右派”，派到英德矿山劳动。那个时候，他把矿场的水泥袋子洗干净，当做速写本，画矿区的机械、工人、劳动场面等。在英德矿山历经3年4个月，至1962年春，王兰若工余写生积累起来的速写素材已有10余本。
在这些蒙冤受难的岁月中，王兰若一家所受的苦难不必赘言，然而令人惊讶的是，这幅在下乡时创作的《四时景色长卷》非常宁静、悠远、纯粹。柔和而生动的线条和色泽点染出四时博大沉静的山水。两三间村屋，嬉戏的孩童，置于这山水之中，又添一点生趣，颇有陶渊明笔下世外桃源的意味。“虽然遭受过这些磨难，但是父亲很少抱怨生活。面对生活，他总保持着积极的态度。”
第二阶段：代表作《神仙鱼》常喻自己与鱼同乐
文革结束后，王种玉回忆道，那个时候，父亲的心情开朗了许多，开始到处游玩，游览过黄山、泰山等一些名山胜地。也是在此时，王兰若的画从表现现实转向更多地表现意趣，讲究趣味，讲究意象的勃发。
解放前，王兰若在马来西亚的骆清泉先生家中见到了神仙鱼，此后，他又多次以神仙鱼为题材创造了许多作品，每次都题字“我爱清泉神仙鱼”，以此比喻自由境界。
王兰若最喜爱的是画兰和画鱼。他曾说：“余爱画野生兰之潇洒活泼，花繁叶茂，神旺气足，悬崖饮露，以日月为友，任风吹雨打，霜欺雪压，怡然生于高山崖阴，根固叶茂，花雅气清，经久不凋，堪称天下第一香。”王老亦常谓己与鱼同乐。在《鱼亦知我乐》一画上，王老题字“鱼亦知我乐，悠然自在游”。
第三阶段：代表作《苍莽》混沌笔墨更显苍莽
王兰若百岁新作中，一幅《苍莽》引人注意。画中没有具体的形，乍一看是一片混沌的笔墨，再一看却有一种苍莽的大山大水的感觉。方楚雄解读说：“百岁之后，王老的画更有修养、更有文气。多年艺术创作的积累已经是很自然的流露。”
罗一平馆长说：“王老到了百岁之际，完全进入了一种心性的阶段。在他的画中，人格和自然的本真完整地表现出来。”

　　纽约新美术馆(New Museum)将在2011年1月26日—5月8日之间以“乔治?康多：心理状态” (George Condo: Mental States)为题，首次集合呈现乔治?康多过去二十八年艺术生涯中超过80件绘画和雕塑作品。乔治?康多以创作多产而著称，本展以独特的概念形式紧凑地选取了他从1982年到现在的作品，并以主题和风格分别组成章节来突出他的艺术探索历程,展览也将体现他创作生涯中的特别理念尤其是人类外貌表情所传达“心理状态”的能力。“乔治?康多：心理状态”由伦敦海沃德画廊和纽约新美术馆共同组织，由分别来自两机构的知名策展人拉尔夫·罗奥夫(Ralph Rugoff)和劳拉·霍普特曼(Laura Hoptman)共同策划。继在纽约新美术馆首展之后，其欧洲巡展将前往荷兰鹿特丹的波伊曼·范·布宁根博物馆(Boijmans van Beuningen)、伦敦海沃德画廊(Hayward Gallery)和法兰克福的Schirn Kunstalle。

　　展览中心作品将为在美术馆四层展示的超过五十幅不同风格和主题的肖像画。这面肖像墙从过去五百年西方伟大艺术家们的杰作中吸取养分，以乔治?康多独特的现实主义形式呈现出或充满想象力或幽默怪诞的人物形象：管家、商人、圣人和历史人物等。展厅中也将布置十六件古色古香的黄金雕塑系列作品作为补充。在美术馆三层的三个展览空间中，分别表现了艺术家笔下不同的心理状态，每间展室将从艺术家的创作中特选不同时期的画作来描绘孤独和边缘化的人物以及现今繁荣与萧条时代中社会和心理潜流下狂躁颓废的场景。展中的最后一间展室将是在美国首次集中呈现乔治?康多玩味于抽象和形态之间的大型油画创作，对艺术家本人来说，这些画作也描绘了来自其自身的心理状态，最近乔治?康多如是表述，“表现性的画面是作家的身体，抽象是艺术家心灵的图画。”(Representational pictures are the artist’s body, abstractions are pictures of the artist’

　　mind.)乔治?康多的作品促使观众去反思自身矛盾本质和通过悲喜性格所体现出的经常极端化的情绪状态。

　　乔治?康多(1957— )是现今美国最有影响力的在世艺术家之一，他的创作范围非常广泛，包括油画、素描、版画和雕塑，其作品被认为是对欧洲传统艺术的创新创作形式。由于受到各种不同类型古典学派大师的综合影响如拉斐尔、戈雅、西班牙天才画家迭戈?委拉兹开斯、毕加索和马奈等等，他在此基础上创作出当代艺术中最具冒险精神、想象力和开创性的作品。上世纪80年代早期他在纽约油画界初露锋芒并提出“人造现实主义”——这种创新的油画语言对其后两代艺术家在技巧、风格和主题上产生了重大的影响。他也经常被称作“艺术的艺术家”，无论在艺术界的任何趋势面前他始终坚持自己的个性并以新奇但又不失传统的作品总是给观者带来惊喜。乔治?康多曾在美国以至整个欧洲都举办过广泛的展览，合作过的博物馆有：美国惠特尼艺术馆、纽约现代艺术博物馆、休斯顿当代美术馆、墨西哥蒙特雷当代艺术馆、当代美术馆、德国巴登-巴登美术馆、荷兰马斯河美术馆以及都柏林爱尔兰现代艺术博物馆。他的作品也在多家博物馆都有永久性收藏，如纽约现代艺术博物馆、惠特尼艺术馆、纽约所罗门·古根汉姆博物馆与纽约布法罗阿尔布赖特?诺克斯博物馆等等。 1999年乔治?康多荣获了美国艺术与文学学会颁发的学术奖，2008年获国家艺术家奖。

桑火尧境象水墨作品

    中国大陆当代著名画家桑火尧境象水墨当代作品展，日前在享誉海内外的台北索卡艺术中心隆重举办。由于其艺术的独特性和高水准，吸引了大量的艺术名家，大藏家和桑先生的粉丝如“总统府”国策顾问，著名当代艺术家李锡奇先生，台北国立艺术大学黄光男校长，享誉全球的著名策展人陆蓉之女士，台北上市公司董事长、大藏家邓传馨先生、张威仪先生等，苏富比、佳士得等国际拍卖行亦派员观摩，苏富比十分看好其作品前景，并有意拍卖桑先生的艺术精品。据悉，该展览将展至1月底，接着将于3月25日在北京今日美术馆展出，也将为中国大陆艺术爱好者带来一次视觉盛宴。

　　桑火尧先生是位学者型画家，现为国家一级美术师，浙江美术馆副馆长，清华大学吴冠中艺术研究中心研究员。中国美术学院国画系毕业，硕士学位。桑先生具有文化使命感与现实担当意识，既深谙中国传统哲学与传统绘画真谛，又放眼世界艺术发展流脉，近几来一直在深度探研水墨审美的世界性与水墨形式的当代性，逐渐开创了自成一体的境象水墨风格，而为海内外所瞩目。

　　三位艺术家和他们的人体 “李象群 张树国 陈连富雕塑展”亮相爱慕美术馆

　　2011年1月22日，“李象群 张树国 陈连富雕塑展”在北京爱慕美术馆隆重开展，三位当代著名雕塑艺术家的17件雕塑作品应邀参展，这些超凡脱俗、不同凡响的作品交相辉映，可以说代表了中国当代雕塑的最高水平。

　　中国美术馆副馆长马书林参加了此次活动并在开展仪式上讲话。本次由爱慕美术馆主办的雕塑展汇集了当今雕塑艺术领域最具实力的三位大家之作，不仅云集了各位艺术家的最新作品，更不乏有被国家博物馆和中国美术馆收藏之作。其中，李象群的作品《乔治?索罗斯》和《于浩》是他2010年最新力作，作品《午睡》是他2010-2011年的跨年作品，作品《阳光下的毛泽东》更是被中国美术馆收藏。

　　三位雕塑家的艺术风格各有不同，对人体艺术的表现也各有特色，例如李象群的雕塑作品选材一向注重时代感，善于运用艺术作品反映一个时代的人物或相关联的历史事件。既如实的记录时代特征，又能站在时代的高度客观艺术的复原历史真象，让观赏者从中获得认知与启迪。他对历史人物的超现实主义意念--《堆云?堆雪》所引发的轰动与思考，显示出艺术家思想的不可动摇。其作品《阳光下的毛泽东》，准确把握人物的神态、形体和历史背景，整体造型突出领袖的凝重，而在局部上对眼神的细节刻画透出慈祥可敬的人性情怀，眉宇的细节很生动地言明了明媚的阳光正在照耀，可谓惟妙惟肖、栩栩如生。

　　张树国是一位常年游历于中国、美国、澳大利亚、韩国等多国的艺术大家。留美12年的艺术经历，让他对东西方文化观念的碰撞有着切身的体味。2006年，由他创作的重达25吨的青铜铸造雕塑《万象》永久性地安放在法国维埃纳省。作为“中法友好年”的项目之一，这是目前中国送给外国最大的青铜雕塑。《万象》由张树国用了两年多时间完成，直径15米。作品完成后，法国前总理拉法兰等人为雕塑落成揭幕。

　　陈连富的雕塑大部分是以女性美为主题，线条优雅柔和，构图多样，雕塑的女性神态忧郁惆怅，体现了一种无言的古典美。那些鲜活的，生动的，性感的女人体，也从某种程度上反映了他作为雕塑家的个人的身体观、情感态度和对中国女性美的解读。发现身体，发现感性，发现东方式的温润和委婉。其作品被国内外艺术馆收藏，例如《人体15号》被香港亚洲基金会、香港大学美术博物馆收藏。

　　北京爱慕美术馆自开馆以来，一直致力于搭建一个艺术与文化展示与交流的非商业性的平台，与优秀的艺术家合作，推广品质优秀、品味高雅的艺术。在此之前还曾先后举办过“杭鸣时粉画艺术展”、“八人中国画展”、“苏州花鸟画展”等多次不同风格的艺术展览，可以说是为广大艺术爱好者和艺术鉴赏家提供了一个了解我国当代艺术发展最高水平的窗口。本次邀请到这三位艺术造就杰出的雕塑艺术家，共同向大家展示他们的艺术作品，相信这些艺术珍品能带给广大艺术爱好者以全新的感受和美的启迪。

　　据悉，此次展览将持续至3月1日，对社会公众免费开放。

　　据台湾《旺报》报道，国民党“立委”邱毅日前表示正与四川省博物院及台北故宫接洽，盼下半年能比照《富春山居图》合展模式，将分藏的张大千作品共同展出。

　　无论是年轻时期清新俊逸的文人水墨画风，或是晚年奔放雄浑、色彩鲜丽的泼墨泼彩画风，张大千作品地位都至为重要。近年来，其作品在大陆拍卖市场更是炒得火热，其作品特展也很多，其中最具规模1998年为纪念张大千百岁冥诞，台北故宫筹划的“张大千、毕卡索东西艺术联展”及2009年台北历史博物馆举办的“张大千110──书画纪念展”。

　　虽然特展不断，但是张大千一生的作品因分藏两岸，至今未完整展出。

　　有鉴于元代书画名家黄公望的《富春山居图》将于今年6月在台北合璧展出，国民党“立委”邱毅也想比照《富春山居图》的合作模式，将张大千作品合并展出。

　　邱毅指出，张大千是四川内江人，日前他前往四川访问时，因缘际会前往四川博物院参观，四川博物院特别开辟“大风堂”展室，是张大千年轻时进入敦煌莫高窟，临摹洞穴壁画栩栩如生的作品，这些画作1949年后被留在当地。

　　邱毅表示，台北故宫博物院的收藏是张大千后期画作，两岸具有互补性，如果能合展，对艺术而言是美事一桩。

　　邱毅认为，张大千是两岸“国宝级”画家，也是蒋介石夫人宋美龄的绘画老师，两岸很不容易找到一个没有政治色彩，又是两岸都肯定的人。这次他到四川时，四川博物院向他表示有意促成两岸张大千作品合展，所以回台后，他主动联络台北故宫博物院院长周功鑫，得到她的支持，至于相关细节，尚待四川博物院与台北故宫洽谈。

　　２０世纪的山水画经历了不同于历史上任何时期的发展过程。在上世纪５０年代，不仅并存了历经晚清、民国的一代著名山水画画家，而且造就了一批成长于20世纪５０年代、但在２０世纪具有历史地位的山水画画家，宋文治（１９１９—１９９９）就是其中之一。

　　１９４９年，宋文治３１岁。他所师承的吴湖帆（生于１８９４）、张石园（生于１８９８）长他20余岁，陆俨少（生于１９０９）长他１０岁。而这一时期比他们更年长的山水画画家则有：齐白石、黄宾虹、吴待秋、高剑父、冯超然、贺天健、朱屺瞻、胡佩衡、刘子久等。他们的年龄不仅都超过了５０岁，而且都是作为传统山水画的传人，表明了与传统在某一方面一脉相传的关系。显然，让他们来改造山水画，并承担历史的责任，有点勉为其难。另外一部分势力，如钱松喦、傅抱石、潘天寿、赵望云等，同样是从旧社会过来的，但是，他们正值壮年，以其超凡的领悟力理解了当时的文艺政策与传统的关系，一手伸向传统，一手伸向生活，创作了一批为时代所认可的作品，在同辈人中脱颖而出，并带领了像南京的亚明、宋文治、张文俊和西安的石鲁、何海霞等一批中青年画家，形成了金陵和长安两个画派集群，加上岭南的关山月、黎雄才等，共同创造了20世纪５０年代山水画辉煌的历史。

　　20世纪５０年代新山水画的崛起，主要是以写生改变了传统山水画通过画谱而世代相袭的画法，不仅获得了发展的契机，而且因其具有启示性的意义对其他画种的改造和表现起到了示范性的作用。加上后来北京、上海、江苏中国画院的相继建立，在国画发展的重要地区集聚了一批著名的画家，发挥了群体的力量，形成了创作高潮，新作层出不穷。而每有突破都得到了社会的认可和鼓励，往往成为时代的样板。上世纪５０年代的新山水画出现了前无古人的时代新貌，而一批与时俱进的画家也在创作中逐渐确立了自己的地位。

　　宋文治从１９５６年开始创作《桐江放筏》《黄山松云》，刚一入道就得到了社会的好评，因此，在江苏国画院刚成立的时候，就以一个不太为人重视的师范美术教师的身份首批进入了江苏国画院，与一批江南的老画师集聚金陵。可以说宋文治是生逢其时。宋文治也很好地把握了这一历史的机缘，后来又相继完成的《京口新貌》《采石工地》《劈山引水》等。

　　从美术史的角度来看宋文治在２０世纪山水画发展史上的地位，除了他在山水画创作方面的成就之外，还可以从以下两个方面来确认：

　　一、以“四王”的浅绛画法写时代新意，使这一传统得到了继承和发展。

　　宋文治生于娄东（太仓），和“四王”之首的王时敏为同乡。因此，他和“娄东画派”有着天然的血缘关系，加上他后来所师的张石园、吴湖帆都是“四王”的传人，表明了宋文治具有画史上所强调的文人画家的“胎性”。

　　虽然，20世纪５０年代的山水画创作，比以往更注重题材所反映的与现实生活的关系，也更注重题材所表现的社会意义，但是，在这一新旧的过渡时期，如何用旧法表现新的内容，同样也是一个重要的评估标准。尽管晚清、民国以来激进的思想家都把“四王”作为保守势力的代表，而推崇像石涛和“扬州八怪”那样的反叛精神，可是如果以石涛和“扬州八怪”这样的笔墨表现新的时代，那种狂怪与时代的距离更遥远。20世纪５０年代的新山水画的主流样式，实际上是在“四王”一派山水画传统的基础上发展而成的。宋文治正是适逢其时地运用了他所掌握的传统笔墨，以“四王”的浅绛法巧妙地表现了时代的新题材，推陈出新。

　　二、以传统的笔墨抒一己胸臆，创造了独特的“宋家山水”面貌。

　　宋文治的山水画在“四王”的基础上，又受到朱屺瞻、傅抱石、钱松喦、李可染的影响，反映出转益多师的特点。从画家的个性特点上来看，宋文治属于亦步亦趋的儒者，规矩法度不仅反映在他的画面中，也表现在他其曲中规的品性中。因此，他的绘画发展是一个渐变的过程。他的画内敛而不事张狂，具有了传统文人画的从容雅逸的品格，也反映了发展过程中的传统方式。

　　直到１９８１年，宋文治开始了以泼彩法入画，在严谨的法度中融入了许多偶发性的生动效果，画面从此氤氲弥漫、色彩斑斓，其个人风格亦即此发生了较大的变化。宋文治晚年的创作，在个人风格中增加了丰富性的笔墨语言，使“宋家山水”的面貌进一步得到确立。

　　宋文治山水画历经50年的发展，在当代山水画的格局中，是南方一派的重要代表之一，从而在20世纪山水画史上占据了一席之地。

　　2011年1月26日农历小年的下午5时许，崔如琢巨幅画作《荷风盛世》揭幕仪式在人民大会堂举行。出席此次揭幕仪式的还有，全国政协副秘书长孙怀山、国家发改委副主任穆虹、北京画院院长王明明、中国国际文化交流中心常务副理事长陶大伟、中国美术家协会副秘书长张旭光、以及古书画鉴定专家金运昌、收藏专家马未都等百余名来宾。北京画院院长王明明致辞中讲到：“在求新求变的大环境下，崔如琢能够对继承传统发展大写意中国画有着坚定的信念和开放的视野，并且一直关心公益事业，为公共环境创作巨幅作品。”

　　为了丰富人民大会堂艺术品收藏，进一步提升大会堂文化内涵。人民大会堂管理局于2010年7月邀请崔如琢先生创作荷花题材作品。崔如琢先生经过长时间的精心构思、细致筹备，历经十余天的呕心创作，完成了长18米，高2.8米的人民大会堂最大尺寸写意花鸟画作品《荷风盛世》。并在现场颁发了收藏证书。

　　在全国人大常委会领导同志和崔如琢的启动下，随着大幕的徐徐展开，著名画家、鉴藏家崔如琢先生创作的国画《荷风盛世》隆重揭幕，56朵象征团结富强的盛世荷花伴随着和煦的冬日在北京人民大会堂热烈绽放。

　　《荷风盛世》悬挂于人民大会堂二楼回廊北侧，《江山如此多娇》的背面，该作品画面中庸温婉，兼具和合之气，与雄伟的建筑相得益彰。诗意的布局，雄强的笔墨，细致的勾勒，盛荷与莲蓬的巧妙搭配更是寓意着中华民族延续不断的生命力与自强不息的民族精神。充分体现出作者深厚的中国传统文化积淀，及其独特艺术个性和笔墨当随时代的创新意识。

崔如琢巨幅画作《荷风盛世》揭幕

　　2011年1月22日北京798艺术区内的映艺术中心迎来了春节前夕的最后一个展览，也使得映艺术中心格外的热闹，王岸1983年出生，是典型的80后，但在80后过分追求数码手段和大尺寸作品的时候，王岸以冷静，清晰的语言，选择了小尺寸的展览画幅，描绘着他在纽约生活的点点滴滴。

　　此次举办的以“偶然的广场”为主题的展览，主要为在旧金山拍摄的约五十幅照片。著名策展人郭晓彦在王岸摄影展的前言中指出：“在王岸的作品中，他常常选择对时间的神秘性，平凡性与琐碎性的捕捉——当他将自己的凝视投向世界不经意的角落、投向陌生人的庸常时刻，投向那些不可名状的事物，是以一种诗的‘镜头’在思?王岸作品中那些黑暗背景衬托下由光写出的意义，是对‘黑暗是时间的容器’的注释，是对幽暗的发掘，也隐藏着时光流逝的鬼魅效果。”“也许，王岸的作品会使人们意识到，光的书写和‘镜头’之思而成就的摄影戏剧，是关于摄影和我们自身的重要现实。”

　　关于作者：王岸(Ian Wang，1983—)，美籍华人年轻摄影家、写作者，加州查普曼大学电影编导专业本科毕业，马萨诸塞州大学创造性写作硕士，现工作于旧金山，为旧金山艺术节摄影师，旧金山周刊自由摄影师，读研究生期间曾举办过摄影个展。

“泰山石敢当”

　　被誉为“中国十大名石”的泰山石，形成于太古代,距今已25亿余年。泰山石是中国最早作为贡品的石种。“泰山石敢当”制石，古今遍布于中国的大江南北。泰山石产于泰山山脉周边的溪流山谷，其质地坚硬，基调沉稳、凝重、浑厚，多以渗透、半渗透的纹理画面而出现，以其美丽多变的纹理而著名，泰山石以其古朴、苍劲、凝重的格调名扬海内外，又加上民间有泰山石能避邪、镇宅等传说，因此泰山石开始“远走他乡”，泰山石中的“文字石”、“数字石”、“人物石”、“天文地理”、“山水景观”、“花鸟鱼虫”、“十二生肖”等，或凸或凹，或动或静，龙蛇飞舞，千变万化，包罗万象，直接还原大自然景观，成为收藏家们的挚爱。

　　“山无石不秀,室无石不雅”,泰山奇石不仅在石文化中因内涵丰富而珍贵，亦具有很高的观赏价值。泰山石多出泰山谷底，泰山峰高谷深，水流落差大，冲刷力猛，每到雨季山洪卷顽石滚滚而下，千万年来冲刷出无数卵石成岩，石质坚硬，卵石特别光洁滑润，晶莹明亮，石色铁青，纹理雪白，造型千姿百态，图案千变万化，有玩赏收藏价值的奇石所崇尚的形、纹、色、质、音，无不具备。尤其纹理图案与石体本身在色泽上反差大，特别醒目，直观性强，有奇美、壮美、精美、粗犷美的不同特色，具有极高的欣赏价值。悠悠五千年，泰山石融进人们对美好事物的憧憬、帝王的梦幻、神奇的传说。收藏家和爱好者认为泰山石是国泰民安的象征，安邦定国的基础，齐鲁文化的精髓，华夏民族的根。历史记载，秦皇汉武曾在封禅泰山时，对“状博平，圆九尺”的立石顶礼膜拜，以求保佑社稷长治久安，国富民强。天下奇石数之不尽，唯有泰山“石敢当”。自先秦至今，国家、商家、村落、家庭都将泰山石作为庇护石。2009年在山东举办的全运会，所选吉祥物也是“泰山童子”，它以泰山“石敢当”为创作原型，赋予泰山石更多神奇的色彩。人们笃信泰山是神山，泰山石是神石。立一块刻有“泰山石敢当”的石头，是齐鲁民间流传至今的镇宅消灾的习俗。

　　泰山奇石收藏

　　收藏家赵光星，是一位多年来一直以泰山奇石为收藏目标的藏家，他将自己所有的业余时间和精力都扑在了这些石头上，视石头为珍宝。他对记者笑言，家里其他东西都可以摔，唯独石头不能摔。在他收藏的数千块泰山石中，既有动物、植物，又有山水、人物、可谓琳琅满目，美不胜收。他为寻石访石走遍泰山的山山水水，他为探究泰山石翻阅了大量文献资料和石刻碑文，寻石、问石、猜石、访石、玩石、赏石、藏石是他生命乐谱上的主旋律。

　　赵光星有一双与众不同的“慧眼”，好像是专门为识别石头而生。普通的石头在他眼里充满韵味和诗意。他的很多泰山石是在别人丢弃后捡回的。有一次，他的汽车轮胎坏了，修车师傅在轮胎下垫了一块石头，赵光星的眼前一亮：这不就是一块天然形状的元宝吗?他如获至宝，赶紧放到车上。还有一次，他从一个老太太那里淘来一块动物状石头，惟妙惟肖。这看似偶然的举动，源于他对泰山石收藏的热爱。除了工作，他想得最多的事，就是泰山石。平日里，他有一帮藏友，大家在一起谈艺论道，既增长了知识，又净化了灵魂，陶冶了情操。每到一个地方，他都会拿出照片，和大家一起欣赏石头。

　　在他的收藏中除了有传统的“文字石”和“景观石”以外，他更热衷于收藏与中国重大事件有关的泰山奇石。2009年,赵光星展出的泰山奇石“全运会”系列，就再一次让人们感受到了泰山奇石的魅力，它从另一个侧面给人们带来了不一样的感受。今年的“上海世博会系列”和“广州亚运会系列”更是将赵光星的泰山石系列推向了另一个高峰。

　　有人说，现在假的泰山石越来越多，难以辨别。赵光星说，最近一段时间，市场上的确有人把山东周边地区的石头冒充泰山石，但是内行一眼就能看得出来。真的泰山石，一是外表特别粗糙，二是份量特别重。赵光星是泰山石的老朋友了，闻闻气息就能知道，究竟是不是真正的泰山奇石。也正因为如此，这些石头才美满地跟随他来到人间，见证这盛世的繁华。中国因为申办下了世博会和广州亚运会而骄傲，又为成功举办了世博会和亚运会而自豪，而世博会和亚运会又因为赵光星的泰山奇石多了一份文化内涵，多了一份情趣，多了一种精神价值。

　　2011年1月22日下午4点，北京对画空间举办了吕鹏个展“空城时代”，展期跨越中国传统新年，届时不仅为新春长假增添一抹艺术浓彩，更让人期待的是此次展出除了布面丙烯、纸本彩墨等架上绘画作品外， 艺术家创作的雕塑作品也将首次隆重登场。

　　纷繁复杂的人物百态及传统观念的文化碎片一直是吕鹏绘画的主题，在本次展览的作品中，吕鹏让他笔下的人物穿越了时空，彼此错综复杂地交织在一起，构成了凸显人性的史诗般的画卷，重构了我们生活在其中的城市的“真实”。

　　吕鹏画面中的人物总是以夸张的表情或肢体动作示人，尽管他们都在努力表演，寻求脱颖而出的空间，但仍难逃被淹没于人群的平庸命运。这种虚张声势的姿态无法掩饰人物内心的空虚和挣扎，一切皆浮云，每个人的心中仍然都是一座杂草丛生的“空城”。

　　吕鹏以他独特的笔触再现时下的文化空虚 ，同时提出了更深层次的思考——随着时代的发展 ，如何继承以及如何传承我们引以为傲的传统文化的精髓。

　　据悉，此次展期将持续到2月28日结束。

　　石涛的山水画应该在八大之上，其“上”为创新，对后来画家影响很大，诸如齐白石、黄宾虹、张大干、潘天寿等画坛巨子，无不受其泽润。除了山水画的造诣以外，《苦瓜和尚画语录》在清代画坛汗牛充栋的绘画理论中独树一帜。之所以叫苦瓜和尚，是因为他很喜欢吃苦瓜，甚至将苦瓜供奉案头。石涛常常内火攻心，而苦瓜恰能清热解火，不像有的人认为那样：不忘阶级苦，牢记血泪仇。

　　其实石涛和八大相比较，性格要随和一些，处世圆润一些。这是尽好的说，说得不好听一点，他虽身在佛门，却难脱俗。他的人生充满了艰辛、矛盾。他清高，他庸俗，他快乐，他痛苦，为了生存他可能卑躬屈膝、不择手段。所以有人骂他不顾体统，有失节之嫌。这可能与他一出生明朝就完蛋了有关，他没有感受到明朝的“皇恩浩荡”，有的只是到处躲藏的艰辛。出家是无奈，还俗又不能，他只好用自己的尊严换来“安逸”的生活。

　　石涛曾两次觐见康熙皇帝，换来后生安逸。一是康熙二十三年，石涛在南京长干称“臣僧”接驾，是为荣幸。因此，宣州司马郑瑚山到长干“一枝阁”拜访石涛，约请他为江南名胜添姿增色。石涛因此获利不薄。二是康熙二十八年，石涛正好在扬州(有人说他早有准备)，于平山堂再次称“臣僧”接驾。两度觐见康熙皇帝，石涛又是献诗又是献画，其内心激动不逊我辈百姓见到天子。他早已忘记自己是大明后裔。

　　石涛称臣，此事不诳。《古缘萃录》收入署款“臣僧元济九顿首”的《海晏河清图》可证。石涛的身影裹挟在地方官员之中，也为僧界平添“一景”。只有八大山人孤高绝世，不仅不纳首称臣，还绘画讽刺，如上《孔雀图》。

　　石涛趁接驾余热未散，北上京华，结交贵胄皇族，并献诗作画，荣幸不已。他自始至终是一个没有脱俗的画僧，总在寻找出人头地的机遇。居京三年，虽然石涛的画作深受上流社会的推崇，但他一直没有得到康熙的重用，未免失望。当初进京，其目的是显而易见的。结果什么都没有他的份儿，就连他很想参加创作的《康熙南巡图》都无缘插手，其打击真的不小。期间有诗为证：“生不逢年岂可堪，非家非室冒瞿昙，而今大涤齐抛掷，此夜中心夙响渐。”似乎对清王朝彻底失望，回扬州后废“臣僧元济印”，与清宫画家势不两立，时有讥贬之辞，特别瞧不起他们的山水画。

　　石涛曾在皖南定居了近二十年，这里的奇秀山水不仅慰藉了他焦渴的心灵，也激发了他的创作激情。这对他后来独具慧心的创作起到了浸润作用。到了扬州时期，石涛的山水画已经蜚声江南了。

　　有一次石涛到天宁禅院，被当家的老和尚撞见，问他：“法师认为扬州景物有什么特色?”石涛不紧不慢地说：“古人已经说过了：园林多是宅，车马少于船。”

　　老和尚是有备而来的，接着说：“扬州始终缺一景，法师注意过吗?”石涛踱出寺门，指着远处只说了一个“山”字。老和尚轻捋白髯笑道：“真乃慧眼慧心矣。如若法师能为寒寺留点墨宝，也算是对扬州无山之憾的补阙吧。”

　　老和尚话音刚落，便引着石涛走向东西耳房。石涛此时才恍然大悟。东西耳房各36间，也就是说要画72山，且山山各异，峰峰有别。如果不为或不能，传出去就成笑话了。人家会说，原来《苦瓜和尚画语录》只不过是脱离实际的夸夸其谈啊。

　　没有退路。石涛和老和尚约定，日画一幅，72天完毕，第73天早晨请全体寺僧和扬州各路画家来天宁禅院赏画。名为赏画，实则想看石涛的笑话。

　　消息一经发布，第73天早晨应到之人全部到齐。结果令人惊讶。众人踏足天宁禅院，就感觉山岚弥漫，晨雾缭绕，茫茫无际。飞瀑不绝于耳，山泉叮然作响，而且还飘出缕缕山野花草之馨香。众人错愕，以为走错了地方。使劲地搓揉眼睛，才确定无疑身在寺院东西耳房每间耳房里都挂了一幅石涛的山水画。

　　12月28号，“尔冬强鸟瞰上海”摄影展的第二天，主办方特意为观众设置了现场交流互动环节。著名摄影师尔冬强发表了演讲，分享自己拍摄及后期进行影像制作的经验与心得。佳能公司也与世界级纸张制造公司——德国哈内姆勒合作，与来宾探讨现代喷墨工艺借助顶级的艺术作品载体，体现真实的色彩表现力和丰富的细节表现力，实现对于艺术作品的卓越表现。

　　展览现场

　　“尔冬强鸟瞰上海”摄影展是由尔冬强担纲的大型航拍项目“鸟瞰中国”的首次成果展示，12月27日正式开展，将持续到1月9日。首都观众可通过品味黑白摄影作品，体会一个真实的、充满激情和韵律的上海。尔冬强的航拍作品集《尔冬强鸟瞰上海》(黑白卷)和《空中看上海》(彩色卷)两款大型画册同期在北京出版发行。

　　尔冬强是中国最早的具有独立精神的自由摄影家，也是首先在中国提出视觉文献概念的摄影行业领军人物。同时，他也是航空摄影家，从80年代开始至今，他的作品记录了上海不同时期的沧桑巨变。本次展出的作品拍摄于2010年上海世博会前后，作品见证了上海市对“城市让生活更美好”理念的理解和实践。

　　“鸟瞰中国”项目得到了国务院新闻办、中国人民对外友好协会、中国·友好艺术交流院、中国国际友好城市联合会、文汇新民联合报业集团等单位的支持。未来数年，尔冬强将乘坐各种飞行器用航拍技术以艺术家的独特视角把祖国的大好河山和改革开放以来的城市变迁进行艺术创作，其成果将用于中国对外宣传和国际间的文化交流。

　　作为中国文化影像公益事业的热心参与者，佳能公司积极赞助本次摄影展并提供后期输出支持。本次影展的全部输出均由佳能认证的“艺术典藏级”摄影工作室“上海沃林”制作，使用了佳能影像专业级大幅面打印机iPF9110和哈内姆勒收藏级纸张输出，作品极具观赏性和收藏性。

　　接下来两周内，欢迎更多爱好者去中国美术馆参观，品味视觉艺术家尔冬强和佳能大幅面打印机产品为我们带来的来自上海空中的视觉盛宴。

　　李金明，是广东鹤山人，1942年生于香港，后定居广州。1961年毕业于广州美术学院附中，1966年毕业于广州美术学院油画系本科。历任国家高级美术师、广东油画学会常务理事和执行秘书长等职，现为中国美术家协会会员，广东省美术家协会理事。从事油画创作40年，70年代开始见称于画坛，其艺术风格中西交融、一脉相承。其画作先后在国内外数十个城市参加重要展览，另举办个展20多次，获全国性美展一等奖、佳作奖，广东省展铜牌奖等多项殊荣。多幅作品已为美术馆、博物馆和收藏家收藏。出版画册有：《李金明油画选集》、《李金明访欧作品》、《广东美术家从书——李金明》、《李金明jmlee》、《李金明台湾采风画集》、《我看澳门——李金明油画》等。

　　1986年，李金明随团出访欧洲，此行触发了他新的创作灵感，于是李金明创作了一批访欧印象作品，如《红与白的协奏》、《阿姆斯特丹之晨》等30多件画作。这批作品在广州美院画展上引起很大的轰动，画展整本留言簿写满赞语，“东方的笔墨，西方的色彩”、“堪称色彩画家”。于是，一个“从心出发”的“色彩致胜”画家的评誉悄然升起。

　　李金明认为自己在用画笔铺陈一种“中国色”，色彩丰富之余，笔下的色调又不全是西洋的，而有着深刻的中国基因。著名画家林墉也在文章中这样评价道：“李金明迷恋色彩，犹如醉汉之痴酒，骑手之爱马!”“繁杂的建筑在他的笔下倒变得交响乐队那般有声有色!他的笔触有股说不出的美感。也许李金明的气质更多地在这里得以表露。他的画面中有丰富饱和的感觉，而绝不啰嗦小器。灿烂、愉悦是他的基调。”

展览现场

　　2010年12月28日下午，当代工笔画唯美新势力陈林在华艺廊举办画展，并有新画集。我想观看陈林的画必须首先将我们的阅读方式设定为“观念先行”，这是陈林作为新工笔绘画风格代表人物之一的最为显著的艺术特征。他的作品注重观念的意义和价值，画面形式语言都作为阐释观念的方式而存在，同时也具备独立存在的价值。前辈艺术家惯常在画面中表达自然主义、现实主义的审美追求，比如，画一只鸟雀，就是表达鸟雀之于自然环境中相互依存的美感，天人合一的境界。作为观众也许你第一眼直观所见便是作品表达的真实内容，而陈林作品与前辈画家的真正分水岭正在于它呈现的不是简单的瞳孔映射的影象，而是更多画面以外的余音。他通过精心设计的图象包袱诱导观者误入一个个精致的迷宫，透过他提供的“魔镜”物象呈现出丰富而多义的特点，以物喻人，寓人于物，让观者以窥探的视角呈现另一种幻觉的真实。

　　陈林所从事的画种属中国画，属工笔画。说到中国画是绕不开传统的，无论是遵循或叛逆都有个传统的影子在萦绕。这个影子是古代杰作所造成的，这些流传的杰作，从形式到技法都有一种无法逾越的完美，从而上升为一个审美高度，自然形成一种标准。标准一旦确立，也让一些遵循者在仰慕之余失去了创造的愿望，甚至变为程式，概念，从明至近代在此领域再无辉煌，可见一斑。

　　其实一件杰作的成立，可以是一个学习的范本，也可仅作启示，甚至可用来分解化析为各种元素取其所需。近来出现一个较好的现象，便是用新的视点将传统工笔画的某些要素提取.重组,构筑新的画面,形成别致的画风，陈林便是其中的一位。

　　陈林的一批新作，我的直觉印象便是有着强烈的图式效应，说到图式，若是直白一点也可称为款式。一件物品分三个方面，一是质地.一是做工.再便是款式。前两者是技术层面，后一个属形式范畴，虽然分辨时可分割，但又是融为一体的。一件哪怕极珍贵的物品流传久了，必然伴随因袭者的不断加入，变成一种固定程式，让我们的视觉生出厌倦，这对有着艺术敏感度与艺术探求者们，会产生对新的视觉的追求。显然陈林对作品新颖感的需求让他不会满足于因袭层面上的好与不好。他是沿用了古典绘画的精致与技术层面的渲染，并有效地制造出一种细腻与文雅的质地，但画面的情景及处理手段已改变了以往那种自然式的物态与自然式的空间意识。他画面的核心便是语境的转换。大自然式的联想，转变为人为的再造的一个空间，于是在这个空间里艺术家可按自己的视觉需求进行重组，物体的位置，块面的切割，色块的安排，可自由的供陈林甄选，我们在满足对一种细致入微的需求中更能得到对形式美感的愉悦。或许人在意识里对过去存在着依恋，但在感观上同样需求一种新图式的出现。

　　我不喜一味谈老传统，也不屑一味吹新观念，我认死理，便是看作品，虽然陈林的新颖我还是有种“似曾相识”的感觉，但他从描绘到组合已显露他的机智，开始协调与讲究了，并且越画越好了。

　　陈林现在的绘画风格与现在的追求并不是孤立的，以传统工笔的局部精致来重造一个空间，这个空间略带舞台剧式的戏剧化与室内音乐般的悠然感，是这一新的画风的主要特征。这个被称为新工笔画群体的产生，默默地在各自的载体中已逐渐地形成各自的风貌，并且产生出极为优秀的作品，我乐于见到陈林与这一群体为当代中国画的发展做出的有益探索及贡献。

　　陈林，1967年出生于安徽合肥，1986年入安徽师范大学美术系中国画专业学习， 1990年毕业并入该系攻读硕士学位研究生，1993年毕业，获硕士学位，同年至安徽大学任教。其间2000年至2001年作为访问学者赴美国中部华盛顿大学美术系教授中国画。现为安徽大学艺术学院教授、副院长，中国艺术研究院在读博士。多年来，陈林在从事工笔画创作与研究的同时，兼治理论。他将在美国、加拿大等国高校教学当中所获取的色彩和画面形式感受，与其丰厚的传统中国文化知识底蕴融合，将现代图式与传统文化理念结合于一起，创作了一大批富有新意的工笔花鸟作品。他曾先后在美国西雅图世界日报画廊、琳达/豪杰斯画廊、加拿大温哥华日本文化中心等地举办个展。著有《现代工笔花鸟画艺术》、《花鸟画》、《工笔画鸟》等。

　　一套从未面世的齐白石早期稀世珍品《精品花鸟草虫十二帧》，28日由齐白石嫡孙齐耕夫以及广州、佛山等地齐白石艺术研究机构打造成纯金箔版画长卷并面向全球首发。

　　齐耕夫先生从小生活在齐白石身边，深得齐派艺术真谛，是继李苦禅、齐良迟、娄师白等齐派艺术大家之后的又一齐派艺术传承人。

　　齐耕夫说，目前广为流传的齐白石作品均为齐白石先生70岁成名之后的作品，但细究其绘画艺术的辉煌成就，均离不开他于1889年至1901年弃斧从艺时刻苦写生、临习花鸟练就的扎实基础。《精品花鸟草虫十二帧》正是他早期画作的精品，见证了齐白石艺术从雏形到艺术巅峰的合理走势。

　　“细看这部作品，笔酣墨饱、力健有锋、极为美妙，洋溢着自然界生机勃勃的生活气息。”齐耕夫认为，《花鸟草虫十二帧》纯金箔版画卷充分体现了齐白石早年绘画的纯朴和自然，并且是首次面世，具有很高的学术、艺术和收藏价值。

　　在北京人民大会堂举行的首发仪式上，齐耕夫先生还向革命老区河北省平山县西柏坡捐赠了30件、价值60万元的齐白石早期画作《花鸟草虫十二帧》纯金箔版画卷。河北省平山县老区建设促进会负责人贾雪阳认为，这一举措充分体现了齐派传人的高尚情怀，对老区文化繁荣、传承国粹艺术、推动文化扶贫起到积极的作用。

　　设计师石大宇应联合国开发计画署与中国亲善大使朱哲琴女士之邀，参加“世界看见”计划，在诸多少数民族工艺中，选择以香格里拉的尼西黑陶为主题，设计出延续此传统工艺、助其与当代生活接轨的方案，命名为“兴?香格里拉?风”，此黑陶系列设计品从2010年12月28日起于中央美术学院美术馆展出，是石大宇发展属于中华文化设计观的一次新鲜尝试。

　　“兴?香格里拉?风”系列设计品包含：“赞松”茶盘组，灵感来自当地村民堆疊柴薪的方式與建筑的排水系统;“藏地长城”立灯，黑陶灯罩上的图形呼应当地窗棂上的佛塔雕刻，底座的灵感来自当地人劈柴的支架;〝扎西〞壶杯组，顺应尼西黑陶酿酒器、茶壶的原始造型，略微扁平的球体呼应著人体的曲线;〝青稞穗浪〞藏香炉，启发于成捆并排的青稞呈现出的错落有致穗浪;〝酥金松水塘〞洗脸台组，水龙头的造型源于当地的黑陶酥油茶罐，黑陶洗臉盆造型來自黑陶火塘，洗臉台以當地草原上處處可見、簡樸可拆卸的松木青稞架為發想。

　　黑陶茶壶

　　“若能在尼西成功建窑，将会帮助尼西黑陶工艺发展成为产业，‘兴?香格里拉?风’设计品是当地工艺能够实现的，是我考察了当地的黑陶制品再发想的结果，目的是希望展现〝设计〞结合传统与当代的力量，为当地的手工艺家、相关产业、政府部门提供一个将当地相关工艺转变为产业的发展方向，任其激荡创意，由他们来发挥潜藏的可能性。”石大宇说明。

　　因此，石大宇建议当地政府或旅游业者应协助手工艺家建窑，改善硬度问题，并针对当地萌发的旅游观光业，设计酒店及住宿业者能大量应用的产品，连结黑陶传统工艺与当地经济层面的变化，企图以设计来带动一个新的产业，为古老的工艺注入新活力，“兴?香格里拉?风”黑陶系列设计品应运而生。

　　这次展出的黑陶设计品由胡建民老师推荐的著名黑陶艺术家田景峰示范制作第一批原型，落实石大宇的创作提案，呈现实际展品，往后进入量产阶段时，希望田老师也会协助指导尼西手工艺家制作，让有心提振当地产业的政府或业界人士，见到兴旺香格里拉风格的曙光。

　　黑陶茶盘

　　“世界看见”由联合国开发计划署(UNDP)与中国亲善大使朱哲琴Dadawa女士共同发起的亲善行动，主旨是中国少数民族文化的保护与发展。石大宇应此邀请，公益地为尼西黑陶工艺做设计、研发生产与推广。“兴?香格里拉?风”黑陶系列设计品将于2010年12月28日至2011年1月16日于中央美术学院美术馆展出(实品或影片播放)，作为“生命向往：时间?空间?人间”大展中“人间”民艺单元的一部分。

　　“兴?香格里拉?风”设计案背景介绍

　　应联合国开发计画署与中国亲善大使朱哲琴女士之邀，设计师石大宇参加“世界看见”计画，进行对少数民族的文化保护行动。

　　过程中走访香格里拉尼西，当地以黑陶制品着称，是黑陶工艺重要的传承地，在与当地的藏族手工艺家交流的过程中，石大宇发现由于烧制方法的局限，黑陶制品有硬度不够的缺点，另外，黑陶制品种类则因为仅对应藏族文化，而有无法融入一般日常生活的局限。

　　因此，石大宇建议当地政府或旅游业者应协助手工艺家建窑，改善硬度问题，并针对当地萌发的旅游观光业，设计酒店及住宿业者能大量应用的产品，连结黑陶传统工艺与当地经济层面的变化，企图以设计来带动一个新的产业，为古老的工艺注入新活力。

　　为什么对尼西黑陶设计案感兴趣?这个答案也与石大宇对设计趋势的看法连系起来。

　　首先，21世纪面临的设计挑战与其他层面的危机紧紧相系，如资源短缺、气候变化等，顺应自然、环保导向的设计是未来、是契机，传统工艺的材料、备料、手工等方方面面都讲究师法自然，正是我们该虚心学习之处。

　　再者，石大宇看到传统工艺因为线性传承(师徒制、父传子)，渐渐失去与生活的联系，尽管艺术性可能有所提高，走入了展览及美术馆，但实用性不再，能传承工艺的人也越来越少。

　　最后一个原因是，石大宇希望能发展属于中华文化的设计观，过去的工作经验使他发现，无论是东方或西方的设计，背后的理念最终是相通的;文化是一方土地上的人们生存与生活智慧的累积，其中的精华甚至比日新月异的科技还历久弥新。

　　因此，挖掘这块土地上的文化智慧，抽丝剥茧地保存下珍贵工艺，透过设计助其与当代生活接轨，成为石大宇的愿望与责任。此设计案定名为“兴?香格里拉?风”，希望能藉由设计品的发想与后续执行，带动尼西制陶产业的复兴，进而发展出当地独特的风格。

　　这次展出的黑陶设计品由胡建民老师推荐的著名黑陶艺术家田景峰示范制作第一批原型，落实石大宇的创作提案，呈现实际展品，往后进入量产阶段时，希望田老师也会协助指导尼西手工艺家制作，让有心提振当地产业的政府或业界人士，见到兴旺香格里拉风格的曙光。

　　若能在尼西成功建窑，将会帮助尼西黑陶工艺发展成为产业，“兴?香格里拉?风”设计品是当地工艺能够实现的，是我考察了当地的黑陶制品再发想的结果，目的是希望展现“设计”结合传统与当代的力量，为当地的手工艺家、相关产业、政府部门提供一个将当地相关工艺转变为产业的发展方向，任其激荡创意，由他们来发挥潜藏的可能性。石大宇想真正地为当地文化创造新生命，而不只是生产一批又一批没有灵魂的纪念品。

　　昨日，郭敬明出品、旗下作家主编的杂志《文艺风赏》成都上市

　　“我们从来没有刻意标榜自己是一个通常意义上的严肃文学刊物，而是想要它成为一个对文学抱有纯粹、认真心态的创造者的一个平台。我们想做一个尝试，将纯文学以更新颖和活泼的方式呈现出来。” ——《文艺风赏》主编笛安

　　昨日，由郭敬明出品、旗下作家主编的杂志《文艺风赏》在全国全面上市。作为郭敬明有意向主流、严肃文学靠拢的首部转型之作，不少读者对“郭小四”的这本纯文学杂志十分期待。昨日，第一批《文艺风赏》已登陆成都各大书摊，抢先买到该杂志的成都读者表示，与传统的严肃文学刊物不一样，该杂志包装手法显得更年轻化和时尚化。该杂志主编、郭敬明公司旗下作家笛安接受华西都市报记者采访时表示，《文艺风赏》就是要用与传统的纯文学杂志不一样的形式，去呈现纯文学的内容，没必要按照《十月》那样严肃文学刊物的标准去做。

　　杂志出街严肃中仍有郭敬明的“华丽丽”

　　在《文艺风赏》筹备之初，就有不少读者在微博上对郭敬明的转型之作表示热烈期待，昨日该杂志一上市，就有不少郭敬明的粉丝在贴吧里讨论。由于该书率先在成都上市，使成都读者成为首批“幸运儿”。

　　华西都市报记者昨日看到，首期《文艺风赏》与另一本较为生活化的《文艺风象》合刊出售，标价25元一套。在封面故事“爱刑海”栏目中，李枫、庄无邪等网络文学作家围绕“爱也是一种刑罚”，从不同的视角出发，带来风格各异的中短篇小说。“新

　　审美观”栏目由《科幻世界》驻站作者、国内优秀的科幻作家韩松带来科幻小说《再生转》。而著名作家史铁生的《我之舞》以及在“青梅煮酒”栏目中，主编与作家阿来的对话使得整个杂志很有主流文学刊物的气质。然而，整部刊物仍然流淌着郭敬明惯有的“华丽丽”，版式大量留白，充满浓郁的小资情调，刊中有七八页的先锋前卫的图片别册，其中还不乏郭敬明的个人写真和其他一些显得很私人化的半裸照，这在严肃文学杂志中是不可能出现的。

　　读者反馈“披着严肃的外衣，叫卖青春的灵魂”

　　成都80后读者王先生表示：“比起郭敬明出品的其他文学读物，《文艺风赏》确实显得较为纯文学一些，比如阿来的访谈、史铁生的作品，都蛮不错的。但是它跟人们通常认为的严肃文学杂志还是很不一样，比如《我知道那年冬天你干了什么》等标题，明显的文艺青年的范儿。”还有读者直接一针见血：“它就是披着严肃文学杂志的外衣，叫卖着青春的灵魂。”

　　对于读者的看法，郭敬明作家团队之一、《文艺风赏》主编笛安昨日接受华西都市报记者采访时表示：“我们从来没有刻意标榜自己是一个通常意义上的严肃文学刊物，而是想要它成为一个对文学抱有纯粹、认真心态的创造者的一个平台。而且我们就是要在呈现纯文学内容的形式上做一些创新，就是要不一样，想做一个尝试，将纯文学以一种更新颖和活泼的方式呈现出来。如果严格按照《十月》的风格，再弄一本严肃文学刊物，是没有必要的。”

　　笛安也坦言，“第一期还不太成熟，比如作者群偏年轻一些，可能主要对80后这个读者群的吸引力更大一些。以后几期，就会慢慢有所转变，比如我们会登载像沈从文、老舍这样经典作家的一些大家不怎么看到的作品。而且我们对经典主流作家的访谈会一直做下去，下一期的访谈对象就是麦家。”

　　主编回应不在意“钱途”只想做自己的东西

　　对于有网友认为《文艺风赏》还是难脱“青春读物”气质，笛安表示：“我们的创作团队本来就年轻，不由自主就有年轻化的手法。里面的那些摄影插页，与刊物内容关系不是很大，只是一个别册，我们打算以后将摄影作品下的文字变成诗歌。我们有一个远景的期望，能取消读者年龄这个界限。”

　　以纯文学为内容的杂志一般都是“叫好不叫座”，市场销售能力一直有限。对于努力走纯

　　文学路子的《文艺风赏》，同样也面临市场反应的问题，笛安表示没有压力，“我们一开始就没期望它能达到《最小说》那样的销量。做《文艺风赏》就是想要做一些自己真正想要做的东西，包括出品人郭敬明也是这样的态度。当然我们希望销量会好，因为这不仅仅是证明我们的杂志有多好，也能让大家知道，纯文学也可以在市场销量方面上做得很好。”

　　华西都市报见习记者 张杰

　　从校园纯情到“现代剩女”郭敬明旗下作家也“转型”

　　随着郭敬明的杂志开始向纯文学靠近，作为旗下作家之一的落落也开始“转型”，一改今年前在《年华是无效信》中对校园纯情的极致描述，开始转

　　向更加现实的社会热点问题。其最新长篇小说《剩者为王》中表现了一个出生于1980年的典型现代剩女的辛酸苦辣。华西都市报见习记者张杰

　　80后作家获巴金文学院文学奖

　　昨日，巴金文学院第十三届文学奖颁奖典礼在四川省作家协会举行，80后实力派作家颜歌的长篇小说《五月女王》、黎民泰的长篇小说《锦绣》、钟正林的中篇小说《鹰无泪》和尹向东的短篇小说《草原》获奖，四人均为巴金文学院签约作家。

　　据巴金文学院常务副院长赵智介绍，该奖项是专门为鼓励新作品设立的，每年一届，评奖范围主要是巴金文学

　　院的签约作家。该奖项自1996年设置以来，至今已经有包括阿来、麦家、柳建伟等50多位作家获奖。巴金文学院常务副院长赵智对华西都市报记者说：“巴金文学院作为全国唯一一所以巴金名字命名的文学机构，自1983年创建开始，遵循老院长马识途‘出作品、出人才’的思路，一直注重对四川作家尤其是青年作家的培养和推介。”

Dragon in Clouds- Red Mutation (2010) by Takashi Murakami

Dragon in Clouds- Indigo Blue (2010) by Takashi Murakami

　　近日，罗马高古轩画廊展出了两幅由日本著名艺术家村上隆先生绘制的画作——Dragon in Clouds- Red Mutation(2010)与Dragon in Clouds- Indigo Blue(2010)。这两幅画作都是由9块油画板拼起来的，长达18米。在画作的色彩方面，与这位艺术家往常使用的鲜艳的色彩不同，而是回归到了更加传统的、具有日式感染力的色彩之上。云彩和龙的形象，对于18世纪日本艺术家曾我萧白来说具有相当大的影响力，而正是曾我萧白给村上隆带来了艺术上的启发。

　　Dragon in Clouds- Red Mutation中的“红色的龙”唤醒了我们对托马斯·哈里斯(Thomas Harris)小说《红龙》的记忆。在这幅画作中，村上隆将西方文化中龙的奇异怪诞，与东方传统中龙的庄严与力量携带者的身份结合到了一起。在Dragon in Clouds- Indigo Blue中则描绘了“蓝色的龙”壮丽的盘旋姿态。这两件超大尺寸的作品为观众们带来了视觉上的冲击，通过展现龙的纯净无暇和迷人的风度，来消除人们对这种“怪物”的恐惧感。村上隆先生说：“很长一段时间以来，我都认为将红色和蓝色与生物结合起来是某种命运的象征，这正是我想要重申的我对艺术的热爱——这两幅画作的创作过程，就好像是某种祷告的祭品一样。”

　　蔡志忠，1948年2月出生于台湾彰化，15岁开始从事漫画创作。他的作品《庄子说》、《老子说》、《禅说》、《史记》、《西游记》、《聊斋》等系列，开启了中国古籍经典漫画的先河。他以其对诸子百家、古典名著、唐诗宋词、佛经禅语的独到心得，行云流水般的画笔，将经典白话化与漫画化，并加以新鲜的诠释，让现代人在完全没有负担的情境下，轻松学习经典，汲取先贤智慧。

　　见到蔡志忠先生，是在他《东方宇宙四部曲》新书发表会上。闭关10年，他依然故我：花白长发，白衬衣，卡其布裤子，轻便布鞋。在众多年轻粉丝的簇拥下，蔡志忠脸上始终洋溢着孩子般纯真的笑意。

　　话题是从如何走上漫画创作之路开始的。四岁半的时候，父亲送了蔡志忠一块小黑板，这块寻常的小黑板，却使他发现了大世界，那就是自己很爱画画。蔡志忠回忆说，他四岁半的时候，台湾并没有漫画这个行业，最多是画电影招贴画。后来九岁的时候，台湾开始流行画漫画，那时候他便立志要成为漫画家，并暗自下定一个决心，只要不饿死，就要画上一辈子。初中二年级的时候，蔡志忠寄了自己的作品给台北的一家出版社，台北这家出版社回复说画得很好，决定聘请他做职业漫画者，第二天他提着皮箱就到台北来了。见了面，老板才发现，原来蔡志忠还只是个15岁的半大小孩。从那时开始，一直到今天，漫画成了他的志业。

　　1986年，蔡志忠的漫画《庄子说》面世，成为中国古代经典和现代漫画结合的滥觞，之后一发不可收，又有了《禅说》、《论语》、《孙子兵法》，这些扛鼎之作的相继问世，将蔡志忠的漫画事业推向了高峰，也开创了中国漫画的全新思维。蔡志忠说，他通常都是先有了故事，再通过漫画把它画出来。和很多漫画从业人员的观念不太一样，他不认为漫画只是幽默、讽刺，只是画故事。他认为，漫画就像文字一样，是一种语言，是一种表达手法。文字可以写成诗，可以写成杂文，可以写成各种各样的小说，同样的，漫画也可以画诸子百家、画哲学、画数学、画微积分、画物理等等。他闭关十年的新作《东方宇宙四部曲》，内容就和物理、数学密切关联。

　　谈到成名作漫画《庄子说》，蔡志忠说，第一次看《庄子》，他就觉得这么好看的东西把它画成漫画一定很棒。因为《庄子》不是教条式的，是有很强故事性的，像《井底之蛙》、《夸父逐日》等这样的故事，其实是在谈哲学，后来也都变成我们的成语故事，其实很多成语故事一开始都是哲学里面的故事，所以很适合用漫画来画。

　　很多人知道蔡志忠是漫画家，却不知道他还是一个非常好的动画导演。他曾拍过三部电影，《老夫子》拍了两部，《乌龙院》拍了一部。他拍的《老夫子》，打破有史以来台湾的卖座影片纪录。蔡志忠认为，无论做漫画还是拍动画电影，或者电视、电影，重点是主题，而不是技巧。“现在大概有40多个国家和地区翻译了我的作品，卖了4000万本左右，”蔡志忠说，“但这不是我的功劳，是主题，因为全世界迷上了东方，所以他们要看老子，他们要看禅宗，他们要知道东方哲学，而不是蔡志忠，蔡志忠只是通过漫画浅显易懂的方式把它展示出来。”

　　“不是会画漫画就可以称为漫画家，相对作家而言，就是会写字并不等于是作家。”蔡志忠说，漫画家的定义和作家的定义是很像的，一个作家第一必须会写字，第二要有故事内容，第三要有文字表达故事的能力。同样一个漫画家也要具备相同的三个条件：第一，要会画漫画；第二，要有故事内容；第三，要有能够通过漫画画面表达故事的能力。如果只符合第三条，他可以当导演，比如李安、张艺谋；如果只符合第二个条件，那他可以像托尔斯泰、莎士比亚，可以像任何伟大的文学家；如果只符合第一个条件，那么对不起，和会写字并不等于作家一样，他并不能称之为漫画家。在蔡志忠看来，许多有名的漫画家，通常并不是绘画技巧非常好，而是漫画故事都特别扣人心弦，会让读者关心漫画中人物的命运。蔡志忠说：“我一般会花99%的时间思考内容，再花1%的时间把它画出来。所以，内容永远是王道。”

　　问及与台湾其他漫画家朱德庸、几米、萧言中相比，就作品风格而言有何不同时，蔡志忠说，虽然台湾画漫画的人没有那么多，但都有非常高的独立自主性。比如，他画了诸子百家之后，一下子占据了1987年畅销书排行榜的前四名。这时，很有可能别的漫画家会赶快画他还没有画的东西以求出名，但事实上，并没有人这么做。台湾漫画家有非常高的自我荣誉感，每个人都有自己的风格。无论是朱德庸、萧言中，还是几米等等，都各自发展成了完全不同的类型。“这就是我和他们相比最大的不同！”蔡志忠说。

　　2010年12月27日，“首届2010中国艺术品市场高峰论坛”拉开帷幕，北京匡时国际拍卖有限公司董事长董国强在论坛现场发言，以前瞻的眼光立足未来看待艺术品市场发展的新趋势。

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　　董国强：未来三年 过亿拍品或集中在古代瓷器

　　今天的有钱人三十年前都是穷人，四十年前都在挨饿

　　一个国家经济发展到一个阶段，如果说这个阶段只是处在解决绝大部分人温饱问题时谈艺术品投资都不妥，为什么艺术品在过去很多年不值钱?当然有一个国民的审美、美学方面的判断，我认为我们是比较落后的;再有一点，中国今天最有钱的人在三十年前都是穷人，四十年前都在挨饿。在那个时候谈论艺术品收藏、艺术品投资是毫无意义的。今天中国经济已经发展到一个可以谈论艺术品收藏的高平台上，我们开始进行投资艺术品了。在这样一个平台的高位，我认为经济的波动对艺术品市场的影响就不是那么大了。因为在这个平台上已经有很多人把艺术品收藏当做自己的生活方式或者对艺术品收藏产生了浓厚的兴趣。经济增长幅度对于已经在从事艺术品收藏的人的心里影响已经不是很大了。我相信未来若干年以后，可能时间不是很长，会有相当一部分中国的富人把收藏艺术品当成自己的一项事业来做，或者说有一部分人把艺术品当成生活必需品，到那时艺术品的价格和今天可能又会有一个非常大的变化。

　　艺术基金或是一种盲目投资

　　基金越多，市场价格越高，从这个角度来说拍卖和基金之间，基金一定很受欢迎。刚才黄先生(黄文叡)讲了目前市场上很多基金其实扮演着一个藏家的角色，其实就是购买了艺术品，至于将来卖出时交易对手是谁，价格如何，他心里是没有底的，或者说是一种盲目的投资。最近几年中国有很多人在谈论基金，也有很多人找我们问能不能跟拍卖公司合作，因为拍卖公司不可以参与基金的买卖，我们可以提供一些参考意见，但是我们不可能参与其中。但是基金怎么样去做，我想可能需要更多有这方面经验的专家参与进来，而不是靠一个在艺术品市场混了几十年的行家。至于说拍卖和美术馆之间我认为也是互相支持的关系，现在很多的买家、企业家想做美术馆，在购买拍品的选择上就和常规的买家会有一些不同，他们的投资眼光会关注美术史。有更多想成立美术馆的人来参与艺术品投资，可以通过我们的专业知识为他们提供更多的参考意见，我们会希望他是在美术史的脉络里面来收藏，而不仅仅是一个投机行为。

　　投资艺术品比买房更靠谱

　　我想在未来一个比较长的时间内影响艺术品市场价格的是认知而不是经济。当前中国经济和中国艺术品市场的关系已经足够解决艺术品收藏的问题了。以中国现在有钱阶层的财富条件来收藏和投资中国现有的资源有限的艺术品，这个资本已经足够了。也就是说让艺术品维持在今天这个水平，或者是让它逐年增加这样一个水平，现有的资金或者中国今天经济发展的形势已经足够了，后面未来的几年艺术品价格出现大的飙升也好，涨幅比较慢也好，都是人们认知提高的幅度。我相信在座的每一位都相信中国的经济不会发生大的崩溃，如果中国经济发生大的崩溃是另外一个概念。如果中国国民经济不会出现崩溃性的、毁灭性的打击，中国艺术品市场肯定还是朝着好的方面发展。

　　刚才说到投资艺术品还是买房的话题，我认为有钱人用闲置资金收藏艺术品，而不是用来和老百姓争夺生产资料和生活资料，这是一件非常好的事情，应该给予它肯定。如果把钱全部用来买房、买生活必须品，物价会涨的更快，对老百姓的生活会造成更大的影响。所以如果是有钱人，我认为买艺术品比买房靠谱。

　　西方藏家“变现”是不得已而为之

　　现在并不是说只有中国人在买中国古代书画而西方人不买，也不是说西方人对中国古代书画不如我们热爱因此买的少，我相信尤伦斯夫妇对中国古代书画的热爱可能超过把他的收藏买走的刘益谦。在金融危机影响下反而会出现好的作品，过去的收藏者迫于经济形势不得已把好的作品拿到市场上。中国的好作品，尤其是宋元时期好的作品，国外的收藏家和博物馆都很关注。只是目前在于他们可能是受到经济情况的影响，不得不减少这方面的投入或者拿出一些过去不愿意拿出的藏品来变现，这是一种不得已的现象。

　　近日，一个老人掂量着手中的一串钥匙，凝视着身旁已过而立之年的儿子，悄声叮咛一句：“我把它全部交给了你!”

　　——在中国人的传统观念里，老人向孩子交钥匙，意义重大，寓意交班。

　　这一幕，发生在著名旅游胜地宁波天一阁旁边天一文苑艺术馆。当时，这里正为第二天将举办的“首届中外鼻烟壶名家名人邀请展”布展。这个展览规模不大，但是聚集了中外民间鼻烟壶收藏的高端群体，展出了许多罕见而价值不菲的鼻烟壶精品。所有人，对于自己的展品都倍加呵护。

　　这个交钥匙的老人，名叫马明忠，是北京古玩业有名的大行家马更生先生的长子;接钥匙的叫马良宇，是北京古玩城博文斋的新一代掌柜，也就是马更生先生的长孙。

　　他们父子交钥匙的那一刻，我就站立在边上。

　　那一刻，的确让我有些感伤。马明忠先生已经64岁，身体一直不是很好，的确到了该退休的年龄。但是，这个交钥匙的举动，似乎还包含着历史发展的必然，说明这个经历近百年沧桑的古玩世家已经完成了向第三代交棒的环节。

　　一代古玩大家马更生

　　北京古玩业的马家，是这个行业里著名的世家，它的创始人就是马更生先生。

　　马更生1925年7月3日出生在北京一个有名望的穆斯林家庭。他的先人是北京“哈密馆”的主人，这个类似新疆回族人驻京办事处的机构，从清朝至民国期间，一直是新疆回族人晋京的下榻之所。

　　马更生14岁的时候开始了古玩界学艺生涯，先在北京廊房二条天瑞祥玉器店学徒，拜北平当时著名的古董商周启瑞先生为师。18岁时独开门面，并于上个世纪40年代后期在东安市场经营通艺贸易行。50年代初，与上海著名鉴赏家吴启洲先生的弟子张福川合伙经营通艺贸易行，并在北京和香港设立了分号。

　　在古玩行的辈分中，张福川与瓷器大家孙瀛洲同辈，比马更生高一辈，而长辈愿意与晚辈合伙做生意，看重的就是马更生人品好，业务精，而且身强力壮。1955年，马更生先生主动从香港返京参加公私合营，以专家的身份进入北京工艺品进出口公司，负责文物的鉴定工作。从此，他的人生开始谱写这一辈子最为令人称道的精彩篇章。

　　60年代，北京工艺品进出口公司收购了一件细颈直口天球瓶，图案是描金勾莲五彩狮子，准备出口去换取外汇。马更生先生凭借自己丰富的专业知识和独到的鉴赏眼力，断定此件瓷器是清代康熙彩精品，是十分珍贵的重要文物，不能流失。但当时的同行对此争议很大，有专家认为康熙彩中没有描金的瓷器，因此可以“放行”。而马更生先生态度坚定，引经据典，力排众议，最后在老一代专家“会诊”后，支持了马更生先生的鉴定意见，才使这件十分珍贵的重要文物得以保存了下来。现在，这件清代康熙细颈直口天球瓶被故宫博物院珍藏，陈列在故宫陶瓷馆，供中外游客欣赏。后来，有关工艺品厂家在马更生先生的指导下，依此瓶图案仿制了众多的赏瓶、芭蕉瓶和天球瓶，用于出口和销售，为国家创造了可贵的经济效益。马更生先生这种既保护了珍贵文物，又为国家创造财富的做法，成为当时文物界的美谈。

　　1972年2月25日，美国总统尼克松第一次访华时，他在叶剑英元帅的陪同下参观了北京故宫的珍宝馆。而当时故宫珍宝馆里正在展出河北满城一号墓出土中山靖王刘胜的金缕玉衣。尼克松对金缕玉衣大加赞赏，希望能够让金缕玉衣出国展览。此事后来报告了周恩来总理。

　　周总理指示，要按照中山靖王刘胜的金缕玉衣再复制一件，用于出国展览——因为按照规定，像满城的金缕玉衣，属于国宝文物，不许出国。于是，中国历史博物馆的著名研究员史树青先生力主推荐了马更生先生。马先生虽然鉴赏专业面涉及宽广，包括玉器、瓷器、竹木牙雕、烟壶料器、字画砚墨、佛像和硬木家具等等，几乎是无所不能(主要是指杂项)，但他尤其以玉器鉴定最为出色，名重一时，是当时文物界首屈一指的玉器鉴定大家。

　　要想复制一件金缕玉衣的难度是可想而知的。我国至今已经出土玉衣的西汉墓葬共有18座，而金缕玉衣墓只有8座，其中最具代表性的是河北满城一号墓出土中山靖王刘胜的金缕玉衣。整件玉衣设计精巧，做工细致，是旷世难得的艺术瑰宝。1968年，这件金缕玉衣出土时，轰动了国内外的考古界。据考古资料记载：刘胜的玉衣共用玉片2498片，金丝重1100克，其制作所费的人力和物力是十分惊人的。据考古人员撰文介绍，当时仅用1000多克金丝连缀起2498片大小不等的玉片，就由上百个工匠花了两年多的时间完成。

　　但是，马更生先生没有退缩，勇敢地承担了这项艰巨而光荣的任务。由于当时国家经济比较困难，特别是黄金匮乏，所以有关单位最后决定把复制金缕玉衣的金丝，改换为银缕玉衣，但是，其工艺难度并不降低。复制的标本依旧是中山靖王刘胜的金缕玉衣。

　　马更生先生带领两个大徒弟冯林、薄政声，没日没夜地加班加点，大概花了一年半的时间，金缕玉衣复制工作终于完成。1973年6月，在日本举办的《中华人民共和国出土文物展览》上，马更生先生复制的银缕玉衣引起了轰动，一时传为佳话。消息传来，连郭沫若这样的文学和历史研究大家也按捺不住激动的心情，提笔专门为马更生先生复制银缕玉衣事，赋七言诗一首：“越王勾践破吴剑，专赖民工字错金;银缕玉衣今又是，千秋不朽匠人心。”

　　遗憾的是，我们今天再也看不到马更生先生复制的这件银缕玉衣了。据马更生先生的儿子马明欣先生介绍：“我父亲复制的这件银缕玉衣，后来去外国展览时被一家外国的博物馆收藏了，当时他们收购的价格是70万美金!”

　　“文革”中，生性耿直的马更生先生被批判为“反动权威”，受到了冲击，一气之下不幸罹患重病，导致半身不遂。1980年，身体稍有恢复的他，又坚持去原单位上班。组织上安排给他的工作是整理仓库积压的古玉。于是，马先生每天6点起床，在女儿的搀扶下坐一个多小时的汽车，去北京工艺品进出口公司位于三间房的库房。这可能是这位著名文物鉴赏家生命里所完成的最后一项重要使命。

　　北京工艺品进出口公司三间房库房里，积压的古玉有数十万件之多，而老人家逐一挑选，反复研究，甄别真假，确定年代，最后将精品古玉数百枚挑选出来，邀请我国著名文物大家傅大卣先生亲自手拓下来，编成教材。

　　上世纪80年代，国家文物局为培养我国文物系统的后继人才，举办多次行业学习班，所使用的玉器教材正是马更生先生编辑的。而当时那些参加学习班的文物工作人员，现在已经成长为我国文物界的骨干力量。他们都敬称马更生为“先生”，是指自己的老师之意。马更生先生晚年鉴定、整理的这些古玉，现已经收藏在国家文物局。

　　马更生先生晚年有个愿望，就是把当初自己亲手挑选、傅大卣先生亲自手拓下来的这些古玉汇编成《中国古玉图谱》，加以点评，把自己一生研究古玉的心得记录下来，传以后人。可是天公不作美，马先生没有来得及实现这个愿望就魂兮归主。1988年4月10日，一代鉴古名家马更生先生去世了，终年63岁。2008年4月10日是我国著名文物鉴赏家马更生先生去世20周年的纪念日，北京古玩界举办“追思会”，深情怀念一代鉴古名家马更生先生。来自全国各地古玩界的代表100余人参加了纪念活动。

　　马更生的儿女们

　　马更生、黑淑敏夫妇育有7个子女，四男三女，男孩以“明”字排，女孩以“燕”字行。他们分别是马明忠、马燕秋、马明道、马燕茹、马明远、马明欣和马燕梅。有趣的是，马家这7个子女，后来全部进入了古玩行，做起了古玩生意，或者曾经一度做过古玩生意，成为名副其实的古玩世家。

　　马家这7个子女中，在古玩业名气最盛者有两位，即长子马明忠和四子马明欣。

　　先说马明忠先生。

　　1946年马明忠出生在北京。他自小爱读书，成绩一直优秀，所以他小时候最大的理想就是能够读大学，上衣的口袋里别上两支钢笔，做个知识分子;进而别上三支钢笔，成为大学教授(五六十年代流行的社会时尚：口袋里别上一支钢笔的是高中生，两支的是大学生，三支就是大学教授)。但是命运弄人，由于家庭的影响，他最终没有能够进入大学深造，结果去了北京玻璃总厂当工人。而马明忠好学肯钻研的个性，帮助他成为玻璃行业的技术骨干，进而成为技术干部。1980年调往北京玻璃总厂下属的603厂当科长。1986年中国宋庆龄基金会下属的和平公司成立工艺品美术公司，也因为他的家庭背景，马明忠出任经理。1991年离职下海。

　　在玻璃总厂工作期间，马明忠学习和掌握的玻璃生产知识和技能，为他以后从事古玩经营，尤其是鉴赏古代料器工艺品奠定了结实的基础。1995年潘家园建起了北京古玩城大楼，他在其中拥有了一家古玩店，起名“博文斋”。他是这个行业里有名的料器鉴赏家。

　　所谓料器，就是古时的玻璃工艺制品。全国工商联古玩业商会成立中国鼻烟壶研究会的时候，德高望重的马明忠担任了会长助理，实际上他是秘书长，是中国鼻烟壶研究会重要的创始人之一。

　　马明忠做人做事，稳扎稳打，不冒险。他的“博文斋”做古玩生意主要是杂项，而且还有个规矩，就是只做传世品，不做“生坑”。所谓“生坑”就是出土的随葬品。他说，“不仅我不做‘生坑’，而且我也不许我的孩子们做。我觉得挖坟扒墓的勾当，不仅法律不允许，从道德上讲，也太缺德!”

　　马明忠一直有心培养他的孩子马良宇、马庆宇兄弟经营古玩业，而在中国古玩市场迎来了激情汹涌的大发展时期，已经年过六旬的他，开始钟情虫鸣遛鸟，逐渐退居到古玩市场的二线。他说，“年老是个自然规律，这个行业总是要靠孩子们延续下去的。”

　　再说马更生的四子马明欣先生。他就是马更生的子女中最出名者，曾经担任过第五、六、七届辽宁省的省政协委员。

　　马明欣1958年生于北京，也没有读过大学，很小的时候就随伺在父亲马更生先生身边，学习古玩鉴赏知识。他是家里出来“混”古董江湖最早的孩子。马明欣自己曾经说过：“我的启蒙时期是1973年的暑假，教我玉石雕刻的老师叫杨子晨，是民国时代非常著名的玉石雕刻大家。我一天到晚都住在师傅家，他会不时拿出一些民国的小茶壶、翡翠的小戒指、小鼻烟壶等小玩意儿给我看。临走的时候，我把打工的钱全给了师傅，把那些小玩意儿一共二三十件全拿走了。回家我父亲问起来，我把书包一倒，我父亲当时就乐了。从那时候开始，父亲就开始引导我，带我拜访他的那些老朋友，如傅大卣、程长新、王鲁，听他们给我讲故事、聊东西，有时候就拿一块瓷片，深深地吸引了我。里面的学问太多太多了。”1981年，首都博物馆开展了一个“废品堆里救国宝”的活动，马明欣就跟随师傅程长新在4年的时间里买下约10吨青铜器，不少都是马明欣亲自扛回来的。现如今这10吨青铜器，全在首都博物馆收藏着。

　　马明欣是上世纪80年代移民去了香港，后来又移民加拿大。当初，父亲马更生先生不想让他做古玩这一行，因为这个行业的水深，怕他在香港难以生活，但是马明欣已经爱上了这一行。他向父亲保证，一年内要挣够12万港币，也就是一个月要赚一万，以证明自己的经商能力，安慰父亲——在上世纪80年代，12万港币对于内地人来说是一笔相当大的巨款啊!结果是，他花了3个月的时间就赚到了12万港币。

　　马明欣做古董生意，很有自己的一套办法，他与某文物商店经理的故事，就很能够说明问题。

　　1992年，在上海的波特曼举办全国文物展销会，回国采货的马明欣来到了该文物商店的柜台旁，看中了展销文物中的十个玛瑙鼻烟壶。他对文物店经理说，“这十个烟壶都不错，我全要了!”文物店是国家的，经理就给他开了个狠价，1.6万一个，10个正好是16万。马明欣后来对我说，“经理给我开的价格实在太狠了，因为当时烟壶的价格也就两三千元一个，我后悔得肠子都绿了。可是没有办法，咱也算是回国华侨了，人家文物店是国家的，咱为国家作点贡献也是应该的，所以我照单付款。”

　　之后怎么样呢?全国做鼻烟壶生意的古董商都来找他，给他送货，让他挑货——因为他出的价格是全国最高的。结果是，他把最好的鼻烟壶全部收入到自己的囊中。其中，有苏做的，有珐琅彩的，御题诗的，等等，精品极多。如今，一只高档的珐琅彩鼻烟壶在拍卖市场的价格已经高达上千万，而这些宝贝至今还睡在他的箱底里呐。

　　搞收藏的人都知道，马明欣现在是国内收藏鼻烟壶的第一大藏家!

　　1993年后，国内的艺术品市场回暖，马明欣回到国内，继续做他的古董生意。如今，北京古玩城内他拥有自己的文物公司，已经是古玩城里的资深大佬。

　　马家第三代

　　进入到21世纪后，一代古玩大家马更生先生的第三代已经成人，陆续进入了古玩行，或者进入与之相关的行业。

　　马家的人已经深刻领悟到了“古玩行养人”这句老话的意义。在今天，年轻人的就业是如此困难、还面临激烈竞争的压力，可马家的第三代已经陆续进入了古玩行，都有了自己的事业，而且也都干得不错。如马更生的长子马明忠的两个儿子马良宇、马庆宇兄弟，已经接替父亲，继续“博文斋”的古董买卖;长女马燕秋的女儿马可滢开办了“沐古堂”;还有如马良举、马良辰、马良瀚等，也都活跃在古玩市场中。

　　特别值得关注的是马更生先生的外孙女马可滢，不仅是个美女，她也是这个古玩世家中学历最高的人。

　　马可滢毕业于北京工业大学后，前往英国莱斯特大学攻读传媒学硕士，以后又在中央美院获得了艺术管理硕士学位。也就是说，她拥有2个硕士学位和一个学士学位头衔。2004年后，她先后在诺基亚、三星等国际大公司工作，收入可观，成为令她的同龄人非常羡慕的白领。然而在2009年，她毅然辞职，加入了这个家族的古玩传统行业。她创立了一个名叫“海科志镐”的公司，开展古玩与艺术相关的教育培训，还在北京天雅古玩城开办了“沐古堂”，做起了书画和古玩的生意。马可滢说，“因为自己生在这样一个古玩世家，对古玩总有一种难以割舍的情结，这是我回归家族传统行业的主要原因。”

　　在我看来，马家第三代在古玩经营的理念上，与他们的前辈们也有着鲜明的区别。前辈们，似乎更关注微观的研究与收藏，因此他们能够成为古玩业中某些种类的鉴赏专家，而马家第三代的年轻人，似乎更关注市场行情的变化和研究，也就是针对宏观市场的趋势所表现出的热情甚高。这一特点，也反映出古玩业在新形势下的发展现状。

　　风生水起，白驹过隙。这个北京著名的古玩世家，在近百年的沧桑岁月里所走过的坎坷道路，实际上是我们这个社会和国家的历史与发展的一部分，也见证了中国艺术与收藏市场的每一个足迹。

　　坎坷也罢，兴盛也好，均缘由于此。

 

　　他把它当成儿子，他把它当成模特，他被它唤起了新的创作灵感……

　　2010年3月，胡润艺术榜公布了中国在世艺术家2009年度公开拍卖市场作品总成交额的前50名，周春芽以5262万元的总额名列第八;10月，全球艺术市场信息权威网站Artprice.com发布了2009-2010年度全球艺术市场评估报告，周春芽排名全球第12位。

　　在周春芽创作的《红人》、《太湖石》、《桃花》等诸多系列油画中，大众认知度最广的作品首推《绿狗》系列，他利用德国表现主义的手法，把狗变成了匪夷所思的绿色。

　　《绿狗》系列的主角是一只名叫黑根的纯种德国牧羊犬，这只狗陪伴了周春芽整整六年，帮助他最终完成了自己的艺术转型。

　　岑学恭让他和狗结缘

　　1982年，26岁的周春芽从四川美术学院版画系毕业后分配到成都画院工作，在那里他认识了著名国画家、三峡画派创始人岑学恭，两个年龄相差近40岁的人结成了忘年交。

　　1993年，周春芽看到岑老养的大黑贝(德国牧羊犬)，这只狗一身“铁包金”毛，走在阳光下能反射出金属般的光泽。周春芽的魂立马被它给勾走了。在岑老的介绍下，周春芽最终从真正的狗主人家抱回了一只小狗仔，起名“黑根”。黑根是德国名字，因为周春芽早年曾在德国卡塞尔学习艺术，此外上世纪90年代，成都岷山饭店附近还有家名气非常大的黑根啤酒馆。“我其实在黑根之前并不太喜欢狗，但是通过它我迷上了这种世界上最忠诚和可爱的动物。”周春芽很感慨地说。

　　那六年他把它当成儿子

　　“黑根非常调皮，精力旺盛，喜欢和家人扑过去扑过来地玩耍。当时我还和我的前妻张曦在一起生

　　活，我们没有小孩，习惯把‘黑根’叫成我们的儿子。以前和黑根在一起度过的快乐时光，周春芽至今难忘。“黑根很聪明，那时我开的是老北京吉普，发动机声音很大，它从几条街之外就可以辨认出我车的声音，知道我要回来了就兴奋地在家中狂吠。”

　　1999年，黑根病死了，这给周春芽带来的悲痛仅次于父亲去世对他的打击，甚至使他一度无法提笔作画。“黑根从一月大的时候抱回家就和我睡在一起，随后到它死都是死在我的床上，那种感受实在是太难受了。”周春芽说，黑根去世那么久了，他到现在都不敢去牧马山看黑根的墓，因为一去就会伤心。

　　“黑根”帮助他“进化”

　　正像达尔文根据加拉帕格斯群岛上陆龟的繁衍和变迁写出了《进化论》，狼狗黑根也最终帮助周春芽完成了艺术之路上的“进化”。在和黑根相处中，他开始研究中国的文人画，曾经画了一批文人画式的油

　　画风景，黑根自然成了周春芽笔下最好的模特。《黑根一家男主人和女主人》，就是这个时期的典型风格，油画笔触的运用，像中国传统狼毫斗笔画枯树山石的笔法，散开笔锋后连戳带拖，给画面增添了一种生气勃勃的表现力。黑根和女主人嬉戏，男主人惬意地站在一旁，整个画面温馨浪漫。后来周春芽又画了《平顶上玩耍的黑根》、《跑动的黑根》和《站立的黑根》等作品。

　　“绿狗”系列横空出世

　　周春芽最开始画黑根的时候，是把它化成传统的黑色，但后来他忽然发现，狗有任何颜色，唯独没有绿色。本来狗在中国水墨画与西方油画中，就很少被视作主题。因此，绿色的狗画出来就更刺激独特，视觉冲击力更强。就这样，“绿狗”系列横空出世。周春芽直接将吐着猩红舌头的绿狗置于视觉中心，重复画一条风格化的狗，变成一种符号，一只狗就是一幅画。

　　黑根是自己艺术转折的直接诱因，这一点，周春芽毫不否认。2000年后，他开始画桃花，同样像黑根系列采取了狂放的笔触，浓艳的颜色，通过狂草般的诗意，赋予桃花拟人般的色彩。

　　篱笆、荷塘和猛犬

　　2009年1月11日，位于成都三圣花乡荷塘月色景区的“蓝顶艺术中心二号坡地”正式落成，周春芽和另外13位艺术家入驻。周春芽搬进去后，在画室旁边开辟了一大块空地，遍种桃花修建狗舍。他说：“2007年，我和艺术家郭伟一人又养了只罗威纳，这个地方是给它们留的。”罗威纳也是来自德国的大型护卫犬，周春芽给它们分别起名叫贝克尔和格拉夫，这两个名字来自于德国网坛名将。最让周春芽感动的是，2008年8月8日奥运会开幕的那天晚上8点，贝克尔和格拉夫的爱情结晶诞生了，它们一共生了8只小狗，“这太神奇了，我不知道这是命中注定还是一种巧合。”